Von Zeitlosigkeit und ewigen Paradoxien

MATTEO ATTRUIA

Oder ist ein Kunst­pio­nier jemand, der durch sei­ne Wer­ke jede Gewiss­heit umstößt, ewig para­do­xe Kurz­schlüs­se erzeugt, die kein Vor­her und kein Nach­her ken­nen, außer einer nar­ra­ti­ven Sequen­zia­li­tät, die aber plötz­lich unter­bricht, sich ver­än­dert, zurück­kehrt, vor­rückt, sich zurück­zieht und iro­ni­sche Fra­gen auf­wirft, die wir oft nicht beant­wor­ten kön­nen? Ein Pio­nier oder ein Künst­ler, der im Zuge der Zeit­lo­sig­keit jede Art von Defi­ni­ti­on zer­stört, ist der ita­lie­ni­sche Künst­ler Matteo Attruia, der laut sei­ner Bio­gra­fie „über­all lebt und arbei­tet“ und von der Mari­na Bas­tia­nel­lo Gal­lery ver­tre­ten wird. Ist ein Pio­nier­künst­ler von heu­te also ein Mann, der kei­ne Gren­zen kennt? Auch.

Ich ken­ne Matteo Attruia schon seit eini­gen Jah­ren, als ich mich auf der „Arte­Fie­ra“ in Bolo­gna in eines sei­ner Wer­ke ver­lieb­te; dank der sozia­len Netz­wer­ke, lern­ten wir uns per­sön­lich ken­nen und ich ver­fol­ge, mit gro­ßer Inbrunst, Emo­ti­on und Neu­gier, sowie einem sar­kas­ti­schen Lächeln, sei­ne Arbeit, die aus uner­müd­li­cher For­schung und stän­di­gen Denk­pro­zes­sen besteht, bis ich letz­ten Som­mer die Gele­gen­heit hat­te, mit ihm an dem Pro­jekt LOT zu arbei­ten, das für „Four­teen ArTel­la­ro“ ent­wor­fen wur­de, als Teil der von Gino D’U­go kura­tier­ten Aus­stel­lung „OSARE PERDERE“.

Es ist kein Zufall, dass im erns­ten Spiel der Kunst die Funk­ti­on der Bezie­hung zwi­schen Bedeu­tung und Signi­fi­kant das Bild des Gedan­kens umreißt, das Pri­vi­leg der greif­ba­ren Bezeich­nung des­sen, was mit Pro­zes­sen ver­bun­den ist, die als idea­le Syn­the­se von Dif­fe­renz oder Gleich­heit, aber auch des ursprüng­li­chen Cha­os der Ideen iden­ti­fi­zier­bar sind. In die­sem Cha­os, das sicher­lich dem gleicht, vor dem ein Pio­nier bei sei­ner Erkun­dung der Welt – der idea­len und der rea­len – steht, agiert Matteo Attruia in der Nische des Oxy­mo­rons, in der onto­lo­gi­schen Spe­ku­la­ti­on, die eine über­ra­schend tran­chan­ti­sche Aura annimmt, durch die die Refle­xi­on über das Rea­le zum Wort, zum Bild, zum Licht, zum Schat­ten und zur Spur von Instan­zen wird, die selbst durch sei­ne Intro­ver­si­on ver­bor­gen blei­ben. Sei­ne For­schun­gen, sei­ne Wer­ke zu lesen und zu inter­pre­tie­ren, bedeu­tet, das Unaus­ge­spro­che­ne zu über­set­zen, wie viel „zwi­schen den Zei­len“ unsicht­bar von einer Tex­tur ruht, die dem Betrach­ter einen Rebus zeigt, sar­kas­tisch pro­vo­ka­tiv, iro­nisch real, des­sen kom­mu­ni­ka­ti­ver Wert sich jedoch in das Bett einer meta­pho­ri­schen Ver­wick­lung ex ante und ex post des epi­pha­ni­schen Aktes ein-schlei­chen kann.

Der Wage­mut ist zudem der „fil rouge“ einer viel umfas­sen­de­ren Hand­lung, wie sie die Arbeit von Attruia umfasst und sich in jenes Gefühl der Sus­pen­si­on ein­pfropft, das onto­lo­gi­sche Schär­fe ver­langt. Wenn man sei­ne Wer­ke in ihrer sprach­li­chen Viel­falt betrach­tet, die den­noch durch einen mul­ti­plen Faden ver­bun­den sind, der alles auf einen ein­heit­li­chen Ursprung zurück­füh­ren kann, wird man Blät­ter erbli­cken, auf denen er onto­lo­gi­sche Para­do­xien schreibt und aus­ra­diert, Rebus­se, die als stö­ren­de Vek­to­ren fun­gie­ren, in denen Buch­sta­ben, Zei­chen und Bedeu­tun­gen ver­schmol­zen wer­den, um red­un­dan­te Gleich­zei­tig­kei­ten zu er-zeu­gen, schein­bar unsin­ni­ge Diar­chien, die in Wahr­heit Meta­phern exis­ten­zi­el­ler Alle­go­rien ver­ber­gen, die uns alle betref­fen, sei­en es Unsi­cher­hei­ten, Zwei­fel, Wün­sche oder Über set­zun­gen unse­res Lebens.

In Matteo Attrui­as Werk geht der Gebrauch der Rhe­to­rik, der „ars sar­ca­sti­ca“, von den Blät­tern, den visu­el­len Ver­b­ar­bei­ten, zu den Leucht­schrif­ten über, die eben­falls zu rei­nen Sym­bo­len wer­den, die sich vom rein ästhe­ti­schen Wert lösen kön­nen, um eine ech­te Erzäh­lung zu insze­nie­ren, die von den Titeln und von der Bezie­hung, die das Werk zum Raum – sei es außer­halb oder inner­halb der Gale­rie – schafft, gelei­tet wird. Der Künst­ler macht Kon­ven­ti­on und Anti­kon­ven­ti­on zu einer Art Dia­log, der an das er-innert, was in der dua­len Exis­tenz von Mate­rie und Anti­ma­te­rie erzeugt wird, aber mit einem unglaub­li­chen und cho­ri­schen Ver­weis auf Iro­nie und Demut. Der Künst­ler-Schöp­fer in der Per­son von Matteo Attruia stellt sich also als sar­kas­ti­scher und sogar unsi­che­rer Schöp­fer vor – mit ande­ren Wor­ten, als Bote jener Unge­wiss­heit, die der Gold­stan­dard des zeit­ge­nös­si­schen Künst­lers ist – der aber im Bie­nen­stock des Zwei­fels Wor­te, Objek­te, unge­wöhn­li­che und uner­war­te­te Erschei­nun­gen insi­nu­iert, die das bereits Bekann­te über­wäl­ti­gen, um die eigent­li­che Rol­le des Künst­lers unse­rer Zeit zu ver­tei­di­gen. Aber was ist die Rol­le des Künst­lers heu­te? Gibt es ihn auch ohne Samm­ler? Ohne einen Gale­ris­ten? Ohne ein Muse­um? Ohne Publi­kum? Attruia ver­drängt sol­che Kon­ven­tio­nen aus eta­blier­ten Prak­ti­ken, um einen Bruch zu erzeu­gen, der wahr­schein­lich zum Aus­gangs­punkt zurück­kehrt oder, im Gegen-teil, den Flucht­punkt einer sol­chen Per­spek­ti­ve an einen ande­ren Ort ver­la­gert, so wie er es in einer sei­ner belieb­tes­ten Arbei­ten fest­stellt: „Here is else­whe­re“ von 2016.

„Matteo Attrui­as künst­le­ri­sche Pra­xis ist geprägt von Para­do­xien und einer gesuch­ten inter­pre­ta­to­ri­schen Mehr­deu­tig­keit, die sich häu­fig in einer iro­ni­schen, tra­gi­schen oder unbe­küm­mer­ten Her­an­ge­hens­wei­se aus­drückt. Es ist die Ambi­va­lenz, die Poly­se­mie, die auf­hört, ein Ver­dienst zu sein, und zu einem Laby­rinth wird, das nicht durch­quert wer­den kann, eines sei­ner wich­tigs­ten sti­lis­ti­schen Merk­ma­le“, erklärt der Kura­tor Danie­le Capra, der oft mit Matteo Attruia zusam­men­ge­ar­bei­tet hat, um sei­ne Spra­che und sei­ne bewuss­ten Abwei­chun­gen in Rich­tung einer Anders­ar­tig­keit genau zu beschrei­ben, die die ursprüng­li­che Bedeu­tung der Din­ge nicht abstreift, son­dern viel­mehr ihre Beson­der­hei­ten her­vor­hebt, jene, die nicht auf­tau­chen, jene, die durch poli­tisch kor­rek­tes Den­ken oder durch die Beschei­den­heit einer zügel­lo­sen Heu­che­lei ver­mie­den werden.

Jedes Werk hat ver­schie­de­ne Inter­pre­ta­ti­ons­ebe­nen, eine Art Abstieg in die Abgrün­de des Den­kens, der jedoch mit plötz­li­chen Sprün­gen oder gemäch­li­chen Schrit­ten erfolgt, ohne einen ande­ren Leit­fa­den als den der Wahr­neh­mung und des Über­den­kens von Kli­schees und des­sen, wovon sich unser Leben, unser Fort­schritt, nährt. Der Künst­ler begibt sich auf den Weg der Anti­the­se und in der Ruhe sei­ner Wor­te zeigt sich die Kraft sei­nes luzi­den und iro­ni­schen Gedan­kens. In einer sol­chen visu­el­len und intel­lek­tu­el­len Bot­schaft kommt dem Detail, einem iko­ni­schen Ele­ment, einem Emblem, das der For­schung des Künst­lers am Her­zen liegt, ein pri­mä­rer Hand­lungs­wert zu, der sich in eine Art welt­lich-sakra­le Reli­quie ver­wan­delt, die an einem Ort auf­be­wahrt wird, der nur den Sin­nen, der Wahr­neh­mung und der emo­tio­na­len Illu­si­on zugäng­lich ist. Und den­noch, obwohl Attrui­as Wer­ke aus dem aka­de­mi­schen Ras­ter des Schaffens/Verstehens her­aus­fal­len, fin­den sie einen Platz in zahl­rei­chen Pri­vat­samm­lun­gen, bis hin zu Instal­la­tio­nen von… „auf­ge­klär­ten Samm­lern“, die es gewohnt sind, etwas zu wagen. Und wie-der kehrt der Begriff des „Wage­muts“ zurück, fast so, als wäre es ein Nicht-Ort, den man mit gebüh­ren­der Auf­merk­sam­keit, aber vor allem mit groß­zü­gi­ger Frei­heit betre­ten soll­te; sich dem Werk von Matteo Attruia zu nähern, bedeu­tet vie­les, auch die kon­zep­tio­nel­len Ebe­nen sei­ner Arbei­ten zu ent­de­cken: die ers­te, die mäeu­ti­sche, die zwei­te die der Meta­mor­pho­se der ers­ten Hand­lung in ein Objekt und ein Ele­ment neu­er Iden­ti­tät und die drit­te, in der der Künst­ler die ulti­ma­ti­ve kogni­ti­ve Kon­struk­ti­on ande­ren anver­traut. In die­ser Nische erscheint jede Idee flüch­tig oder wan­del­bar, auch wenn sie über die Jah­re hin­weg fest und nie­mals zufäl­lig bleibt. Das Gefühl der Ent­täu­schung, das sich unter der Ober­flä­che sei­ner Wer­ke abspielt, unter­schei­det sich nie von dem – mei­ner Mei­nung nach unbe­grün­de­ten – Bewusst­sein der Unzu­läng­lich­keit, das Attruia dazu bringt, sich selbst nie ernst zu neh­men: das heißt, in der Ernst­haf­tig­keit der Idee, die sei­nem Den­ken ent­springt, kann er jedes Ele­ment einer insta­bi­len Schwä­che fin­den, ein Detail, das in sei­ner Zer­brech­lich­keit bereit ist, in ein Kunst­werk ver­wan­delt zu werden.

Alles ist vor­über­ge­hend oder tran­si­to­risch, ein eph­eme­rer Appa­rat der Lebens­fäl­le, der uto­pi­schen Zufäl­le, die Attruia in einer Art Wun­der­kam­mer unter­bringt, die er oft in eine Aus­stel­lung ver­wan­delt oder bes­ser in das, was er in einem sin­gu­lä­ren Inter­view wie folgt defi­niert hat: „Ich habe nicht zwin­gend an die Ori­gi­na­li­tät des Pro­jekts gedacht. Ich glau­be, dass mein Gefühl der Unzu­läng­lich­keit mich dazu getrie­ben hat, zwei Aus­stel­lun­gen zu kon­zi­pie­ren, die die Räu­me leich­ter gefüllt hät­ten. Es ist ein Para­do­xon, wenn man bedenkt, dass ich eigent­lich an zwei Pro­jek­ten arbei­ten muss­te, statt an einem. Die Archi­tek­tur der Gale­rie erleich­ter­te die Auf­tei­lung. Ich will nicht leug­nen, dass es mir ehr­lich gesagt sehr posi­tiv und nütz­lich erscheint, zwei Aus­stel­lun­gen in das Cur­ri­cu­lum auf­zu­neh­men.“ – in Bezug auf „A Flower for Piet“ und „Sold Out“, jeweils kura­tiert von Danie­le Capra und Nico Cov­re für Mari­na Bas­tia­nel­lo im Jahr 2018. Matteo Attruia ist kein Künst­ler, der sich bewusst dafür ent­schei­det, aus dem Rah­men zu fal­len oder der um sich her­um das Phä­no­men des „Cha­rak­ters“ geschaf­fen hat, ganz im Gegen­teil. Weit gefehlt. Er hält sich fern vom Tour­bil­lon der Zeit­ge­nos­sen, fern vom Ram­pen­licht, und wenn er dazu gezwun­gen wird, lässt er sei­ne Wer­ke, sei­ne Wor­te, sei-ne Neon­lich­ter sei­nen Stand­punkt ver­mit­teln. Eben­so ist es das visu­el­le Gedächt­nis, das in der Rezep­ti­on sei­ner For­schun­gen vor­herrscht, das sich in die Schat­ten­zo­ne unse­rer Wahr­neh­mung ein­prägt, ohne je wie­der her­aus­zu­kom­men, denn es hat etwas wach­ge­rüt­telt, es hat etwas gesagt oder gezeigt, das wir ins­ge­heim ger­ne gesagt hät­ten, es wird Teil von uns, auch wenn es mit Iro­nie zwi­schen dem Hier und Jetzt und der gro­ßen Kunst­ge­schich­te ver­mit­telt. Denn schließ­lich gibt er es selbst zu: „I deci­ded not to bend this neon tube as I have not­hing to say“.