Chroniken gemalter Leidenschaften
Das Leben eines jeden Menschen ist ein Theaterstück. Nachdem sich der Vorhang gehoben hat, muss man den eigenen Vorstellungen entsprechend handeln oder einem Drehbuch und einer Richtung folgen, die sich der eigenen Kontrolle entzieht. Eine exzellente Aufführung wird endlosen Applaus ernten und wenn sie vorbei ist, wird immer eine neue folgen. Eine Welt der Bilder zu entfesseln, die aus den wichtigsten ontologischen Anliegen – sowohl in der persönlichen Intimität als auch in der Dimension der Kunst – resultiert: eine erklärte Leidenschaft von Víctor Vicente Huerta Batista (Sibanicú, Camagüey, Kuba, 1972), der 1991 seinen Abschluss an der Fachschule für bildende Kunst seiner Heimatprovinz erzielte. Obwohl er sich eigentlich für die Bildhauerei als Fachrichtung entschieden hatte, waren es das Zeichnen und die Malerei, denen er sein Schaffen am längsten widmete. Die Vorstellung spielt die Hauptrolle in seinen Werken, geschaffen aus der Zeichnung, die er mit Bedacht ausführt; die zwischen dem Betrachten des Bildhauers, der die Räume von Schatten und Licht bevorzugt, um jedes Volumen zu erreichen; die Zeit zulässt, während sie diese glaubwürdigen Räume errichtet, in denen ihre Geschichten stattfinden. In seinem Schaffensprozess verwendet Víctor Huerta die unterschiedlichsten formalen Lösungen, um seine Gemälde, vorzugsweise in Acryl, zu kreieren. Mit ihnen erzielt er unterschiedliche Tonwerte und einen großen Reichtum an Gouaches und Lasuren, die mit reinen Farben veredelt sind, und so seine Farbanwendungstechniken personalisieren; während er andere Strategien verfolgt, die vorurteilsfrei miteinander kombiniert werden, wie zum Beispiel das in seinen Bildern sichtbare Dripping – resultierend aus dem »Tropfen« der Gouache. Ein weiteres Merkmal, das sowohl seine Gemälde als auch seine Zeichnungen kennzeichnet, ist die Einbeziehung von Texten in den Repräsentationsraum, aus den Titeln der Werke oder darauf bezogenen Phrasen, die manchmal auf den Auslöser einer Idee oder Motivation für kreatives Handeln anspielen; die manchmal als Anmerkungen fungieren (vielleicht das persönliche Tagebuch des Autors), die als Sätze und Anregung zum Nachdenken die Erzählstruktur des Autors ergänzen.
Ein ganzes Arsenal symbolischer Elemente prägt auch seinen plastischen Diskurs wie die Palme mit all ihrer kubanischen Ausdruckskraft; oder die Räder und »Artefakte – Fahrzeuge« die auf die Zwecke der Bewegung anspielen; oder »Wellen-Spiralen« die auf das Vergehen der Zeit hinweisen (so wie die bereits gelockerten Saitenmechanismen); oder das Meer, Inhalt und Kontinent, begrenzend und trennend… Zur Wiederholung dieses letzten Elements in seinem Werk hat mir der Künstler selbst verraten:
Als ich 10 Jahre alt war, brachte mich mein Vater – der Busfahrer war – nach Playa Santa Lucía. Der Eingang zum Ort führt über eine Straße, die an einer Stelle dem Meer zugewandt ist, fast senkrecht, und mit dem Meer und dem Horizont ein T bildet… Ich schlief und meine Mutter weckte mich und sagte: ›Schau, wir sind da, das ist das Meer.‹ Das Bild, das ich bis zu diesem Moment von einer großen Ansammlung von Wasser hatte, war das eines Damms, von dem aus ich das andere Ufer sehen konnte, die Berge in der Ferne… und als ich diese Meereslandschaft sah, fühlte ich mich so klein, so unglaublich klein (nicht nur als Kind, sondern als Mensch), ich war fasziniert und habe mir gedacht: ›Das ist Unendlichkeit‹. Und ich schaute hoch, nach vorne, zur Seite und die Unermesslichkeit überwältigte mich. Ich dachte, dass die Unendlichkeit nur oben ist (der Himmel) und ich fühlte mich winzig. Aber ich spürte auch, wie gigantisch das ist, was wir Leben nennen… Und plötzlich fühlte ich mich wie eingeschlossen, von einer anderen Art von Grenze, denn nach oben konnte ich nicht fliegen, ich bin kein Vogel; und nach vorn, egal wie viel ich schwimmen würde, bin ich nunmal auch kein Fisch…
Seine Figurationen erscheinen dann wie in einer Vielzahl von Altarbildern, in denen sich die ungewöhnlichsten Geschichten abspielen, die einen gemeinsamen Hintergrund haben, eine wunderbare, barocke und tropische Essenz, in der es scheint, als ob jede Figur eine Geschichte erzählt (wie bei den »Historias del muro«). Er rekonstruiert expressionistische Gesichter oder metamorphisierte Körper, die auf die Veränderungen (intern oder extern?) hinweisen, die im Laufe des Lebens herangewachsen sind, zusammen mit einer persönlichen Fauna von Fabelwesen, wie Mutanten aus anderen Dimensionen in Szenen, in denen sie trotz ihrer unterschiedlichen Naturen und Essenzen koexistieren…
Seine Lebenschroniken verweben persönliche, aber auch fremde und sogar kollektive Erfahrungen, in die er selbst blinde Beobachter einbinden kann, die auf der Leinwand selbst eine andere Realität zu bewohnen scheinen (»Jugad y heredad la costumbre«). Ebenso lässt er Charaktere aus verschiedenen Zeiten koexistieren und stellt sie teilweise mit Flügeln dar, als ob es sich um einen möglichen Flug oder den Wunsch handelt, ihn zu vollenden, wie in »La densidad y el peso de algunos… hace que otros floten en condiciones«, ein Werk, das in der Mitte eine weiße Rose auf einem Yarey-Hut darstellt (ein weiteres Element des typisch kubanischen Stils) und das für Kubaner auch eine marsianische Bedeutung enthält.
In »Lo quiero todo y lo quiero ahora«, repräsentiert Víctor Huerta Figuren, die in einer verkürzten Paarsituation auch im intimen Raum Kostüme tragen, offensichtlich beeinflusst von den Umständen des Alltags. Nach dem Ursprung dieser Arbeit gefragt, erzählt er mir:
Dieses Stück begann in genau der Expression, die ihm seinen Titel gibt. Ich erlebte damals eine persönliche Situation voller ungeheurer Fragen bezüglich des Verständnisses unter Paaren… Zu dieser Zeit war das Studio fast 40 Minuten zu Fuß von zu Hause entfernt, und ich sah die Reflexion dessen, was in meiner Mikrowelt passierte, in meiner eigenen Erfahrung: Ich sah, wie es sich vervielfachte, erweitert um meine Schritte. Es war, als ob das Bild vergrößert und verschärft würde. All dies hatte eine Art Melodie und dann konzentrierte sich die Reflexion dieses Werkes auf einen Tag, an dem ich ankam und sagte: Was solls, ich will alles und ich will es jetzt!
Ich konnte es nicht länger ertragen, dass sich alle für alles verstellen. Wenn jemand Hunger hat, sagt er: ›Oh… wie spät ist es eigentlich?‹ Eigentlich geht die Spontaneität des Direktseins verloren und es ist nicht so, dass ich der Spontanste der Welt bin, aber ich bin lieber spontan, direkt als zu ›höflich‹, weil man nie sagt, was man denkt oder fühlt… Dieses Werk fasst die Gefühle zusammen, die ich hatte und die ich in den Menschen auf der Straße widergespiegelt sah. Es war wie ein Spiegel.
In »Los herederos, laudas y el diluvio«, stellt er wieder das Meer dar, mit einem ganzen Karneval von Bewohnern (sogar den unglaublichsten Kreaturen), die versuchen, manchmal entdeckt in den zugrunde liegenden Strömungen zu koexistieren – und sogar zu überleben, entschlossen, um jeden Preis über Wasser zu bleiben und um ein Minimum an Platz zu kämpfen auf dieser gemeinsamen Oberfläche. Die beeindruckende Suggestionskraft, die das Meer auf ihn ausübt, fügt sich in sein Konzept der Insellage als Lebensereignis – Bedingung jeder Figur und sogar der als Ganzes repräsentierten Gruppe – ein, sticht in vielen seiner Werke hervor, in denen sich der Humanismus des Autors zusammenfügt, indem er die Schöpfung auf eine viszerale Weise und mit tiefer Ehrlichkeit annimmt.
Mehr als 50 Gruppenausstellungen sowie ein Dutzend Einzelausstellungen im In- und Ausland zieren das Lebenswerk von Víctor Vicente Huerta Batista, dessen Werke Teil der Sammlungen der Museen für moderne Kunst in Tucson und für moderne Kunst in Arizona sind, beide in den Vereinigten Staaten von Amerika; sowie das Museum von Extremadura, Spanien. Länder, in denen sie zusätzlich private Sammlungen zieren sind: Mexiko, Deutschland, Kanada, Italien, Frankreich, Dänemark, Schweiz, Portugal, Costa Rica, Kolumbien, Venezuela, Panama und Australien. Indem er versucht, die Zeit, in der er lebt, zu interpretieren, erforscht er verschiedene Bereiche des Daseins (vielleicht auf der Suche nach einer möglichen persönlichen Lösung für seine eigenen Probleme) und verkörpert jene eklektischen und barocken Chroniken, die an Goyas Visionen erinnern.
Ich lerne jeden Tag etwas dazu und aus allen Erfahrungen, die ich mache. Ich fühle mich immer unwissender gegenüber dem Leben, und das finde ich gut, denn es heißt, an dem Tag, an dem das Kind in uns stirbt und dich nichts überrascht, hat dein Leben keinen Sinn mehr, weil die Schöpfung in allem unendlich überraschend ist…
Víctor Vicente Huerta findet es gut, solche Themen in Serie darzustellen, die über die Grenzen eines einzigen Werkes hinausgehen: unter anderem Migration, tägliches Zusammenleben, das Streben nach einem Ziel lassen sich in seinen verschiedenen Darstellungen als Varianten einer Melodie sehen; und wie Noten, die in Notenlinien integriert sind, finden die Figuren und die Farben ihren Platz im Raum der Leinwand, geboren durch eine ausgeklügelte Verbindung von Idee-Gefühl-Geste, die die Hand des Malers in Symbole und Figuren übersetzt.
Die Faszination des kreativen Aktes überrascht. Die Leidenschaft von Víctor Huerta beim Malen ist so groß, dass es nicht möglich ist, den Zeitraum zu erkennen, der zwischen dem im Gehirn gezeichneten Bild und dem Akt, es auf die Leinwand zu werfen, vermittelt. Und egal wie sehr man dem Künstler in die Augen schaut, man kann nicht ahnen, in welchem Moment der Pinsel vom Bild auf die Palette springt oder umgekehrt, um uns am Ende noch eine Chronik zu schenken, mit der gleichen Kraft wie damals, als er nur ein Guajirito war, der im Alter von kaum zwölf Jahren begann, diese Pfade zurückzuverfolgen und diese Verse verfasste: »Ich kenne Kunst / da ich von der Kunst lebe / Ich lebe in einer eigenen Welt / wo noch nie jemand gelebt hat. Ich kenne diese Welt / weil ich davon geträumt habe / und es ist keine vergangene Erinnerung / sondern eine tiefgründige Zukunft.
