VestAndPage: Corpo Vita

VERENA STENKE / ANDREA PAGNES

Die Künst­ler Vere­na Sten­ke (Bad Fried­richs­hall, 1981) und Andrea Pagnes (Vene­dig, 1962) arbei­ten seit 2006 als Ves­tAnd­Pa­ge zusam­men. Sie sind haupt­säch­lich in den Berei­chen Per­for­mance-Kunst, Per­for­mance-basier­te Kine­ma­to­gra­fie (Video­kunst) und theo­re­tisch-krea­ti­ves Schrei­ben tätig. Ihre Tex­te wur­den in meh­re­re Spra­chen über­setzt und in Büchern, Kunst­ma­ga­zi­nen und renom­mier­ten wis­sen­schaft­li­chen Zeit­schrif­ten ver­öf­fent­licht. Sie befas­sen sich mit unab­hän­gi­gen Pro­jek­ten zur Schaf­fung tem­po­rä­rer künst­le­ri­scher Gemein­schaf­ten und sind im Ver­lags­we­sen tätig. Sie koope­rie­ren mit Kul­tur­in­sti­tu­tio­nen, Thea­ter­grup­pen, huma­ni­tä­ren Orga­ni­sa­tio­nen im Bil­dungs­be­reich, mit theo­re­ti­schen Semi­na­ren und inten­si­ven Metho­den­work­shops. Seit jeher getrie­ben von dem Wunsch, Mikro­kos­men der Koexis­tenz zu schaf­fen, kon­zi­pier­ten und star­te­ten sie 2012 das Pro­jekt der Venice Inter-natio­nal Per­for­mance Art Week und haben bis­her über 120 inter­na­tio­na­le Künst­le­rin­nen und Künst­ler vor­ge­stellt und ein Ver­mitt­lungs­pro­gramm kon­zi­piert, das seit 2017 im neu­en For­mat Co-Crea­ti­on Live Fac­to­ry prä­sen­tiert wird, einer inter­na­tio­na­len Wohn- und Kollaborationsplattform.

Ich gehe dort­hin, wo es wehtut.
Ich gehe mit Dir, wohin Du willst.
Ich gehe wei­ter dem Leben nach.
Ich gehe aus, ich weiß nicht, wohin. Ich gehe hin­ein, ich weiß nicht, wohin. Ich gehe weg, mei­ne Schu­he sind kaputt. Ich gehe vorbei.
Ich gehe in Dei­ner See­le ein und aus. Ich gehe in die Geschich­te ein.
Ich gehe wei­ter und wei­ter und wei­ter und wei­ter… Ich muss gehen.
und weiter… 

Mono­log 1 9 by Vere­na Sten­ke / VestAndPage

Ves­tAnd­Pa­ge erforscht mit ihrer Spra­che vol­ler Rei­ze, in der bil­den­de Kunst, Per­for­mance­kunst, Gesell­schafts­thea­ter, zeit­ge­nös­si­scher Tanz, Schrei­ben, Poe­sie, Phi­lo­so­phie und nicht zuletzt didak­ti­sches Han­deln zusam­men­lau­fen, die Gala­xis künst­le­ri­scher Ver­fah­ren, die den Kör­per mit ein­be­zie­hen und auf dem Kör­per bestehen. Aber ihre Aus­füh­rung, abwechs­lungs­reich und viel­ge­stal­tig, ver­nach­läs­sigt nicht ein­mal die Aspek­te der Bezie­hung und der Mit­wir­kung, die ihre Arbeit sowohl in ethi­scher als auch in ästhe­ti­scher Hin­sicht definieren.

„Aus dem Thea­ter, aus dem Wahn­sinn des Thea­ters, haben wir bei­de viel gelernt, spe­zi­ell im Hin­blick auf die Zusam­men­ar­beit. Vor allem haben wir gelernt, dass der Künst­ler allein nichts ist. Man muss sich mit ande­ren Fach­leu­ten ver­net­zen, sei­en es Künst­ler, Wis­sen­schaft­ler, For­scher, Hand­wer­ker und so wei­ter. Denn nur ver­eint geleis­te­te Arbeit ist in der Lage, das Kunst­werk als voll­stän­di­gen und zugleich offe­nen Aus­druck zu generieren.“

Ent­schei­dend, um die Leit­li­ni­en ihrer Poe­tik nach­zu­zeich­nen und zu einer tie­fen Erfor­schung ihrer selbst bei­zu­tra­gen, die es ihnen ermög­licht, sich auf Dimen­sio­nen und vor­ge­fass­te Per­spek­ti­ven zu kon­zen­trie­ren, wie die Begeg­nun­gen mit Yoko Ono und Jon Hendricks, sowie auch die Ana­ly­se des armen Thea­ter von Jer­zy Gro­tow­sky und das Thea­ter der Grau­sam­keit von Anto­nin Artaud. Artaud sag­te Grau­sam­keit, wie er Leben oder Not­wen­dig­keit sagen wür­de. Und der Kör­per, wie Ves­tand­Pa­ge es inter­pre­tiert, im Sin­ne einer kon­ti­nu­ier­li­chen Schöp­fung gehorcht die­sem Bedürf­nis. Gäbe es die­sen Wil­len, die­se Sehn­sucht nach blin­dem Leben nicht, – d. h. ent­schlos­sen, alles zu über­ge­hen, sicht­bar in jeder Ges­te und in jeder Hand­lung, sogar im tran­szen­den­ta­len Wert der Hand­lung – wäre alles auf eine unfrucht­ba­re, nutz­lo­se und ver­säum­te Übung reduziert.

„Dring­lich­keit lässt Sie Din­ge tun und die Kunst ist für die­se Dring­lich­keit gemacht. Es ist nicht nur das inne­re Feu­er der Dich­ter des 20. Jahr­hun­derts, son­dern auch die Tat­sa­che, die Ver­zer­run­gen der Rea­li­tät, in der wir leben, zu sehen und den Wil­len, sich ihnen mit den uns zur Ver­fü­gung ste­hen­den Mit­teln zu stel­len. Unser Mit­tel ist der Kör­per, ein Kör­per, der immer poli­tisch ist, denn selbst unser pri­va­ter Sek­tor wird poli­tisch, wenn wir uns bloß­stel­len. Es ist das Wie und War­um, das wir in unse­rer Arbeit erfor­schen wol­len, und hier­aus ergibt sich die gesam­te theo­re­ti­sche Natur unse­rer For­schung. Die Poe­sie der Bezie­hun­gen ist ein The­ma, das oft wie­der­kehrt und unse­re ver­schie­de­nen Akti­vi­tä­ten ver­bin­det. In sei­nem schö­nen Text »Poe­tik der Bezie­hun­gen« schreibt Édouard Glis­sant: »We cry out our cry for poet­ry« (Wir schrei­en unse­ren Schrei nach Poe­sie). Wie kommt die­ser Schrei her­aus? Wel­che Form nimmt er an? Was uns inter­es­siert ist zu ver­ste­hen, war­um, zu den Fun­da­men­ten zu gehen, zum Ursprung die­ses Schreis.“

Legt man den Schwer­punkt auf die Akti­on von Kör­pern, so wei­tet sich die Gram­ma­tik auch auf die fil­mi­sche Kon­struk­ti­on aus: ein Hybrid, der Per­for­mance und Film­pro­duk­ti­on ver­bin­det und einen Bruch in der Kom­ple­xi­tät der seman­ti­schen Schich­tung öff­net, auf der ihre Arbeit basiert. Nach meh­re­ren preis­ge­krön­ten Titeln befin­det sich nun »STRATA« (Per­for­mance-based Film, 2021) in der Her­stel­lungs­pha­se: Ves­tAnd­Pa­ges fünf­tes per­for­ma­ti­ves Film­pro­jekt, das sich auf die The­men Deep Time und Erin­ne­rungs­schich­ten in der Mensch­heits- und Erd­ge­schich­te kon­zen­triert. Gedreht in den Grot­ten und Höh­len der Schwä­bi­schen Alb im Süd­wes­ten Deutsch­lands, die zum Teil von Nean­der-talern und Eis­zeit­men­schen als Unter­schlupf genutzt wur­den, bringt das Pro­jekt Künst­ler und For­scher aus den Geistes‑, Sozi­al­wis­sen­schaft und Geo­lo­gen zusam­men mit dem Ziel, den mensch­li­chen Kör­per in sei­ner Dimen­si­on des Kon­ti­nu­ums mit der Erde zu unter­su­chen. Die Bil­der des Kör­pers – poe­tisch und poli­tisch zugleich – wer­den aus Frag­men­ten von Doku­men­tar­fil­men gene­riert, in denen sich Spe­zia­lis­ten der Archäo­lo­gie, Geo­lo­gie, Höh­len­for­schung, Kunst­ge­schich­te, Phi­lo­so­phie und Psy­cho­lo­gie der Zeit zu die­sen The­men aus­tau­schen. Hier wird der Fort­schritt durch kul­tu­rel­len Aus­tausch und Koope­ra­ti­on ima­gi­niert. Die zuneh­men­de Kom­ple­xi­tät ist eine evo­lu­tio­nä­re Kon­se­quenz und die Plu­ra­li­tät, nicht-binä­re und sozia­le Inklu­si­on von Viel­falt wer­den als not­wen­di­ge und funk­tio­na­le Vor­aus­set­zun­gen für das Ver­ständ­nis und die Wei­ter­ent­wick­lung des Lebens gesehen.

Das Künst­ler­duo trat kürz­lich in Ita­li­en auf und prä­sen­tier­te eine abso­lu­te Vor­schau bei Ende­ca­me­ron 21, die künst­le­ri­sche Resi­denz im Schloss Roc­ca Sini­bal­da (Rie­ti), die in die­sem Jahr vom 31. Juli bis 7. August 2021 statt­fand, ihren neu­en Per­for­man­ce­zy­klus »1 9 Mono­log« mit der Eröff­nungs­in­stal­la­ti­on »1 9 In vacui«.
Das von Enri­co Poz­zi und Cris­ti­na Cen­ci kon­zi­pier­te Ende­ca­me­ron-Pro­jekt, zu dem auch Ves­tAnd­Pa­ge im Lab-Team gehört, ent­stand 2018 aus der Wahr­neh­mung einer Kri­se und einer weit ver­brei­te­ten Angst, die ver­su­chen, sich aus­zu­drü­cken, um sich selbst zu erken­nen. Wäh­rend der Zehn Tage des Deka­me­rons hiel­ten die Erzäh­lun­gen die Pest von der Vil­la fern, in der Boc­c­ac­ci­os zehn jun­ge Geschich­ten­er­zäh­ler leben. Der elf­te Tag ist der Tag danach. Die Geschich­ten sind weg. Das Böse tritt ein. Was pas­siert in der Vil­la? Gibt es neue Geschich­ten und For­men, die es blo­ckie­ren kön­nen? Wie wer­den sie sein? Was wer­den sie sagen? Wie wer­den sie es sagen? Was ändert sich, wenn die Vil­la ein tau­send­jäh­ri­ges Schloss von gro­ßer Schön­heit und ein Natio­nal­denk­mal ist? Aber Ende­ca­me­ron ist kei­ne ein­fa­che künst­le­ri­sche Resi­denz. Es ist ein acht­tä­gi­ger Work­shop der gemein­sa­men Arbeit und Refle­xi­on. Künst­ler spie­len dabei eine ent­schei­den­de Rol­le als Erfor­scher neu­er For­men, Inter­pre­ten und Über­set­zer der Schat­ten des Cha­os. Sie sind nicht allein. Sie tref­fen sich täg­lich mit Anthro­po­lo­gen, Psy­cho­ana­ly­ti­kern, Kom­mu­ni­ka­to­ren und ande­ren Per­sön­lich­kei­ten, die die Resi­denz orga­ni­sie­ren. Ziel ist es, Künst­ler und Sozi­al­wis­sen­schaft­ler zusam­men­zu­brin­gen, um zu reflek­tie­ren, zu ver­ste­hen, zu über­set­zen und den elf­ten Tag als unsi­che­ren Schwe­be­be­reich zwi­schen Cha­os und Kos­mos aus­zu­drü­cken. In die­sem Jahr war der Elf­te Tag der Tag der Inku­ba­ti­on, einem sehr alten und zeit­ge­nös­si­schen Ritus. Man schlief auf dem Boden an einem hei­li­gen Ort. Ein von Gott gesand­ter Traum konn­te eine Ant­wort auf den Grund geben, der uns dort­hin getrie­ben hat­te, indem er uns eine Hei­lung anzeig­te, unse­re Zukunft vor­her­sag­te und uns eine Lösung für ein erns­tes Pro­blem mit­teil­te. Roc­ca Sini­bal­da Cast­le als »hei­li­ger« Ort, um Träu­me von Ant­wor­ten auf die Ver­brei­tung von Alb­träu­men aus der Tie­fe zu verwirklichen.

„1 9 In vacui“ ist inspi­riert von einer per­sön­li­chen Geschich­te – die Iso­la­ti­on, in die die Künst­le­rin Vere­na Sten­ke im August 2019 nach einer Tuber­ku­lo­se-Erkran­kung gezwun­gen wur­de – um über die Krank­heit und ihre Fol­gen nach­zu­den­ken, mit dem Ziel, eine Brü­cke zwi­schen einer genau­en Selbst­be­ob­ach­tung und einer oft von Aber­glau­ben durch­drun­ge­nen lite­ra­ri­schen Pro­duk­ti­on zu schla­gen. Weit ent­fernt von einer roman­ti­schen Behand­lung des The­mas spie­gelt die Auf­füh­rung unter ande­rem das Kon­zept des Kon­sump­ti­on wider – der Name, mit dem die­se Krank­heit all­ge­mein bezeich­net wur­de – gera­de, weil der Orga­nis­mus wäh­rend sei­nes Ver­laufs kon­su­miert wird und einem lang­sa­men, aber fort­schrei­ten­den Ver­fall unter­liegt. Die Erfah­run­gen eines Krank­heits­er­re­gers flie­ßen in den dich­ten auto­bio­gra­fi­schen Per­for­mance-Text ein, der am Abschluss­abend von Ende­ca­me­ron 21 erst­mals auf Ita­lie­nisch prä­sen­tiert wird. Zusam­men mit Ves­tAnd­Pa­ge aus die­sem Anlass auch der Klang­künst­ler Aldo Ali­pran­di und die auf Ver­ti­k­al­tanz spe­zia­li­sier­te Per­for­me­rin Mari­an­na And­ri­go. Der ers­te, der die Aktio­nen mit dem Klang sei­nes ganz beson­de­ren, von ihm selbst geschaf­fe­nen Sai­ten­in­stru­ments beglei­tet. Die zwei­te greift ein frü­he­res Werk von ihm mit dem Titel »Vacu­um« auf, um mit sei­nen Bewe­gun­gen einen gemein­sa­men Faden zwi­schen dem The­ma des Vaku­ums und dem der Inku­ba­ti­on zu ziehen.

Auf der Büh­ne der Kör­per mit sei­ner Belas­tung, sei­ner ero­ti­schen und lei­den­schaft­li­chen Prä­senz, aber auch der Gefahr eines unsicht­ba­ren und bedroh­li­chen Wesens, eines unent­zif­fer­ba­ren und unbe­kann­ten Zustands: dem der Krank­heit. Eine Osmo­se zwi­schen Kör­per­lich­keit und Spi­ri­tua­li­tät, ein gegen­sei­ti­ger Aus­tausch ver­schie­de­ner Sub­stan­zen: Das Papier und das Eisen der Klei­der, die zer­brech­li­che Was­ser­ober­flä­che und der har­te Stein des Schlos­ses, die phy­si­schen und meta­phy­si­schen Dimen­sio­nen des Daseins. Über­lap­pen­de und über­la­ger­te Lese­ebe­nen auf einem dra­ma­tur­gi­schen Tep­pich aus Wor­ten, ein schmerz­li­ches und zugleich lie­be­vol­les Zeug­nis des Lebens.

„Lie­be ist ein Pro­jekt. Alles soll­te aus einer Tat der Lie­be gebo­ren wer­den. Das Pro­jekt schafft Lie­be und Lie­be schafft das Pro­jekt. Und aus der kon­ti­nu­ier­li­chen Über­tra­gung des einen ins ande­re ent­steht das Kunst­werk. Aber dies hat nur dann einen Wert, wenn wir es tei­len, wenn wir nicht mit jeman­dem tei­len, was wir tun, kön­nen wir sei­ne Schön­heit nicht sehen. Jede Auf­füh­rung stellt für uns eine Begeg­nung dar, aber es ist nicht nur die Begeg­nung zwi­schen Andrea und Vere­na. Es ist viel­mehr die Begeg­nung zwi­schen zwei Men­schen, zwei Wesen­hei­ten, zwi­schen dem Ich und dem Selbst, zwi­schen dem Männ­li­chen und dem Weib­li­chen, auf einem Weg, den wir vor sech­zehn Jah­ren ein­ge­schla­gen haben und der uns zu pri­vi­le­gier­ten Beob­ach­tern der Ver­än­de­run­gen unse­rer Zeit­ge­nos­sen­schaft gemacht hat.“