Polymorphe Ästhetik: Die tägliche Transformation der Schöpfung
Nathan Brutsky war erst 10 Jahre alt, als sein Vater, ein an Kunst interessierter und sachkundiger Mann, sich einige Bilder ansah, die sein Sohn in der Schule gemalt hatte, und entschied, dass Nathan talentiert genug war, um Kunst zu studieren. Der Sohn, wie alle Kinder, zog es vor, Spaß zu haben, anstatt zu malen. Seinem Vater gelang es, den jungen Künstler davon zu überzeugen, täglich 2 bis 3 Stunden mit Zeichnen und Malen zu verbringen. Er malte alles, was er sah, und von diesem Tag an sah man ihn nur noch selten ohne Bleistift und Papier. Diese reiche Erfahrung erwies sich als sehr wichtig, als Nathan Jahre später begann, komplexe Kompositionen mit zahlreichen Elementen zu erschaffen. Diese frühen Übungen erklären Nathans seltene Professionalität.
Nathans Vater wünschte sich, dass sein Sohn auf die richtige Art und Weise ein professioneller Künstler werden würde. Dies geschah nicht sofort. Nathan schloss sein Studium an der Kiewer Staatlichen Hochschule für Kunst und Design ab, diente in der Armee und arbeitete dann als Grafikdesigner, Architekturdesigner und Buchillustrator. Während all dieser Jahre studierte Nathan bei herausragenden Künstlern. Das Wissen, das er von ihnen erwarb, ist bis heute unermesslich. In jedem Aspekt eines jeden Gemäldes gibt es zwei Dinge, die für Nathan wichtig sind: Das erste ist die Ausdruckskraft, der Stil und die Qualität, und das zweite ist, dass seine Kunst Menschen glücklich machen muss. Mehrere Jahre lang widmete er sich der Inneneinrichtung von Synagogen und Privathäusern. Später wurde die Malerei zum Inhalt seines Lebens, und, wie er heute zugibt, interessierte ihn das architektonische Entwerfen nicht mehr. Er schuf erstaunliche Glasmalereien, Lampen und Wandbilder. Nathan verstand, dass nur die Kunst ihm wirkliche Freude und Vergnügen bringt und dass er nur in der Kunst seine kreativen Entwürfe auf der Leinwand in einem stillen Studium umsetzen kann. Seine Kreativität erwacht jeden Tag zum Leben, wenn Nathan wieder einmal an seiner Staffelei steht, um durch seine Kunst seine Art, die Welt zu betrachten, auszudrücken. In jedes neue Gemälde bringt er eine neue Kombination von Farbe, Harmonie und fließender, ruhiger Energie sowie intensive Texturen ein, die zudem äußerst ausgewogen und raffiniert sind. Die Tänzer, die Blumen und seine Liebespaare sind immer von einem inneren und edlen Licht erfüllt. In jeder Kreation, in jedem Pinselstrich entdeckt man die Originalität des Stils des Schöpfers, die einzigartige Technik und die erstaunliche Harmonie des Ausdrucks und der Lebensfreude. Nathan Brutsky lebt und arbeitet in Tel Aviv.
POLYMORPHISMUS IN NATHAN BRUTSKYS KUNST
Die Geige auf dem Gemälde. Was ist das für ein Bild? Ist es ein akribisches Abbild der phantasievoll gewölbten Platten mit gespannten Drähten, Griffbrett und Tragstiften? Wenn ja, was ist dann der Unterschied zwischen diesem Set und den Zutaten eines Salats, der entweder aus Lego oder aus Bausatzmöbeln besteht? Violine” von Picasso, 1912, ist eines der Banner des Kubismus. Das Objekt ist in kleine Teile zerlegt. Es gibt nur Linien, flächige geometrische Details und den Signifikant – die f‑förmigen Öffnungen in der Geige, die als Symbole angesehen werden können, die zur Lösung des Bilderrätsels führen können. Und der Betrachter lässt sich auf das Spiel ein, erkennt nach und nach Wirbelkopf, Unterlage und Saiten und beobachtet unerwartet das Wunder der Verwandlung der einzelnen Punkte in das wohlgerundete Bild. Diese Lösung ist eine formale Ästhetik, ein Spiel auf Punkt und Fläche, Komposition und Linie, Zerstörung und Verbindung.
Die Tatsache, dass Nathan Brutsky in polymorpher Ästhetik arbeitet, erscheint einerseits völlig natürlich, ist andererseits aber auch ein großes Glück für die zeitgenössische Kunst. Es ist natürlich, weil er ist, wie er ist: ein organisch positiver Mensch, und die einzig mögliche Richtung seiner Entwicklung sind die Evolution und die tägliche Transformation der Schöpfung und nicht die Revolution, die die Negation der Vergangenheit darstellt. Tatsächlich hatten nicht viele so viel Glück wie er. Sein Erfahrungsschatz umfasst, wie eingangs erwähnt, Industrie- und Innendesign, Architektur, Illustrationen und 12 Jahre Studium der klassischen Kunst. All diese Erfahrungen bildeten eine sichere Grundlage für das breiteste Spektrum seiner Möglichkeiten, künstlerische Herausforderungen jeglicher Komplexität zu lösen. Er verbindet die altmeisterliche Schule der Malerei mit der Realität der Formschöpfung in der Innenarchitektur des 20. Jahrhunderts, der Wandmalerei und der Glasmalerei.
DIE NEUE ÄSTHETIK
Ein Meilenstein seiner Laufbahn war das Jahr 2002: Nathan erkannte die Grenzen der objektiven Ästhetik und konzentrierte seine Interessen vollständig auf die Malerei. Tausende von Stunden der Suche und Hunderte von Gemälden ebneten den Weg zu künstlerischer Klarheit. Und dadurch wurde etwas wirklich Neues geboren. Diese neue Ästhetik bewährte sich vor allem in der tiefen Verbindung zwischen Künstler und Betrachter. Zur Illustration des Prinzips „Kunst ist die Fähigkeit, das Ungesehene in Gesehenes zu verwandeln” bleibt Brutsky als Maler absolut positiv und offen, aber noch wichtiger ist, dass er dem Betrachter organisch nahe bleibt. Natürlich nicht jedem Betrachter: Auch heute noch ist der Impressionismus für viele Menschen Avantgarde. Aber für einen emotional reifen und zur lebendigen Wahrnehmung bereiten Betrachter bleibt er organisch nah.
Kehren wir zum Thema Geige zurück. Für Brutsky ist die Geige nicht das Ding als solches, nicht eine Oberfläche oder ein Symbol, sondern eine Summe von Zeichen, die mit ihr verbunden sind. Das ist in erster Linie die Musik, der Geiger, der die Geige in der Erwartung der Freude an ihren Klängen in der Hand hielt. Trotzdem wird auf der Leinwand nur die Geige gezeigt und nicht etwas anderes. Das kann ein Klavier sein, und Blumen und Flamencotanz: sie sind erkennbar und schön. Aber die Wahrheit ist nicht nur das.
WIE KOMMT MAN DANN ZU DIESER BILDSPRACHE, ZU DIESER KRISTALLKLAREN ÄSTHETISCHEN IDEE?
Es geht darum, dass wir weder das Ding noch das Phänomen um uns herum getrennt, getrennt von anderen, getrennt von der Umgebung, akzeptieren. In unserem Bewusstsein ist das Bild einer Sache nur dann vollendet, wenn es untrennbare Verbindungen mit der Umgebung gibt. Und Brutsky zeigt in seinen Gemälden eher Verbindungen und emotionale Reflexionen von Interaktionen zwischen Helden als ein Ding oder eine Gruppe von Dingen. Wirklich tiefe Verbindungen zeigen nur den Sinn, den Charakter eines Gegenstands, d.h. die Qualität, die durch unsere Wahrnehmung belebt wird, und nicht den Zweck und die Form. Nur in diesem Fall kann die ästhetische Idee des Künstlers zu unserer eigenen ästhetischen Idee werden. Und es ist wahr, dass Brutskys Malerei als eine voller Kraft und Lebensenergie wahrgenommen wird, da sie eine Resonanz des auf der Leinwand geschaffenen Bildes und unserer eigenen sinnlichen Erfahrung hervorruft. Es darf nur ein unantastbarer Gedanke bleiben:
Ein wahres Kunstwerk sollte immer der Akt des Erschaffens von Gefühlen sein.
Author: Ronit Bobrutsky
