Jessica Stockholder
Jessica Stockholder (Seattle, 1959) gilt als eine der bekanntesten zeitgenössischen amerikanischen Künstler*innen, vor allem wegen ihrer führenden Rolle bei der Formgebung einiger der grundlegenden Ideen, um die sich zeitgenössische Skulptur und Malerei heute drehen. Ihre vielfältige und facettenreiche Arbeit, die absichtlich über die klaren und präzisen Grenzen traditioneller Medien hinausgeht, hat die außergewöhnliche Kraft, das Kunstwerk in eine Gelegenheit zu verwandeln, das Denken zu erweitern und die Launen des Sehens sich manifestieren zu lassen in all ihrer aufbrechenden, schöpferischen Macht. Die Künstlerin verlässt die streng bildliche und skulpturale Vertrautheit, ihre Gewohnheiten und Bräuche, wendet Konzepte von Form, Motiv und Farbe auf dreidimensionale Räume an, und nutzt eine Vielzahl von Materialien und Unterlagen, um eine neue Sprache ins Leben zu rufen, die die Installation zu ihrem Lieblingsbegriff macht. Das Ergebnis sind lebhafte Eingriffe in die Orte, an denen sie stattfinden und deren Chiffre, gekennzeichnet durch leuchtende Farben und die Zusammenstellung der Materialien, sofort wieder erkennbar ist. Auf diese Weise liefert die Künstlerin eine Konzeption von Raum und Materie, von Leben und Kunst, die in einer wesentlichen Beziehung miteinander verflochten sind. Eine Kollision zwischen der Erfahrung des Denkens und der Erfahrung der Existenz, die Fragen nach der Natur der Realität aufwirft.
Der geometrische und kompositorisch komplexe Abstraktionismus vieler ihrer Werke stützt sich auf den Gedanken der amerikanischen minimalistischen Strömung, die mit Autor*innen wie Donald Judd im künstlerischen Klima der 60er Jahre einer operativen Haltung Platz machte, die durch die Verwendung primärer monolithischer Einheiten wie Würfel, Pyramiden, Parallelepipeds und dergleichen gekennzeichnet war, sowie modularer Standardelemente, die in offenen Strukturen und seriellen Sequenzen organisiert sind. Sie setzt sich aber auch mit Vertreter*innen der Malerei wie Frank Stella auseinander, der den Ausstellungsraum explizit in einen Dialog mit dem illusionistischen Raum der Bildebene stellt.
Bei Stockholder lässt sich die häufige Verwendung geometrischer Figuren wie dem Dreieck, das in vielen ihrer Eingriffe verwendet wird, nicht übersehen – ich denke da zum Beispiel an Flooded Chambers Maid [Geflutetes Dienstmädchen]: eine ortsspezifische Multimedia-Installation, die 2009 auf dem Oval Lawn im Madison Square Park (New York) erstellt wurde. Elementarer Teil des Rechtecks, autonom und dynamisch, in der Lage, sich über sich selbst nach außen auszudehnen, und dessen unendliche kombinatorische Variationen es ermöglichen, rationale Entscheidungen auf der Grundlage der Schnittart der Linien zu treffen, aber gleichzeitig völlig unerwartete und unvorhersehbare Ergebnisse erzielen können.
Alle Objekte, die wir verwenden, wurden von jemandem entworfen. Bei den meisten von ihnen wurden ihre Schöpfer nicht gefeiert. So, wie ich sie benutze, erkenne ich die intellektuellen und fühlenden Strukturen, die von einem anderen Geist eingebettet wurden.
Die Betonung des Beziehungsprozesses wirkt jedoch als Kontrapunkt zur minimalen Reduktion von Formen: Die zwischen der Arbeit und dem*der Betrachter*in, aber auch die zwischen Körper und Geist oder zwischen dem Körper und der umgebenden Welt. Tatsächlich zeichnet sich das ganze Werk dieser Künstlerin dadurch aus, dass es nicht nur das Thema Raum, sondern auch das Konzept der Beziehung, das im flüssigen Raum der Begegnung zwischen dem Werk und dem*der Nutznießer*in des Werks entsteht, tief reflektiert. Ein mobiler Perimeter, dessen Grenzen durch den gegenseitigen Energieaustausch ständig moduliert werden.
„Kunstobjekte sind immer relational. Sie bieten physische Berührungspunkte zwischen dem Künstler und den anderen. Da mein Werk auf die eine oder andere Weise ein Bewusstsein für den Kontext vorschlägt, befasst es sich auch mit der Beziehung zwischen dem singulär verfassten Kunstwerk und dem gemeinsamen Raum und der Konvention, in und auf denen es ruht. Unsere menschliche Fähigkeit zur Abstraktion ermöglicht es uns, miteinander in Beziehung zu treten. Sprache ist abstrakt. Wir kommunizieren mit gemeinsamen abstrakten Formen, die es uns ermöglichen, über die Natur unserer ganz besonderen Erfahrungen nachzudenken. 2015 habe ich eine Reihe von Werken mit dem Titel Assists gestartet, bei denen ein Objekt, das nicht Teil des Kunstwerks ist, aufrecht stehen muss. Diese ‚Requisite‘ verschiebt sich durch das ausgestellte Leben des Assist. Jedes Mal, wenn das Werk gezeigt wird, kann es mit einer anderen Requisite gesehen werden.“
Die große Aufmerksamkeit, die die Künstlerin der Kontextualisierung der Umwelt ihrer Werke widmet, führt zu einer gleich starken Aufmerksamkeit für die Empfindungen, die die Arbeit gegenüber dem*der Betrachter*in erzeugen kann. Hier kommt seine*ihre körperliche Beteiligung ins Spiel, eine fast theatralische Beteiligung, bei der der Körper ein wesentlicher Bestandteil des Werks wird. Es geht nicht um Umweltkunst im wahrsten Sinne des Wortes, es geht nicht darum, das interne oder externe Umfeld, in dem sich das Werk befindet, neu zu formulieren, sondern darum, das Werk mit dem Inneren und dem Äußeren koexistieren zu lassen: Das Werk ist gleichzeitig autonom, hat Wert an sich, aber seine Existenz ist immer mit den Umständen verbunden, die es beherbergen.
Oft sucht die Künstlerin nach Orten, an denen Elemente wie z. B. Bänke eingefügt werden können, die die Trennlinie zwischen der Kunst und dem Fließen des alltäglichen Lebens aufheben und dem*der Betrachter*in das Erleben des Werkes ermöglichen, ein konstruktiver und konstitutiver Teil von ihm zu werden. Aktionen wie das Öffnen der Fenster der Galerien, in denen ihre Ausstellungen stattfinden, ist nichts Neues für sie, um das Innere mit dem Äußeren zu verbinden, in einem Dialog der gegenseitigen Gegenseitigkeit, der die Fülle der Kunst zum Leben erweckt, sie entwirft und herstellt. Auf diese Weise werden die Scheinwerfer auch auf die Frage der Bewegung und auf die der unterschiedlichen Wahrnehmung gerichtet, die das Werk je nach der Position haben kann, von der aus es betrachtet wird. Aus einer bestimmten Perspektive betrachtet, kann es in seiner Bedeutung sehr linear und eindeutig erscheinen, aber in Wirklichkeit erscheint es in seiner ganzen Komplexität, wenn man es aus anderen Blickwinkeln betrachtet und eine Beziehung zu ihm herstellt, gezackt und offen für eine Vielzahl von Interpretationen.
In dieser Zweigleisigkeit reist Stockholders Recherche, immer auf der Suche nach dem Gleichgewicht zwischen der orchestrierten und formalen Ordnung, die sie in ihr Werk einbezieht, und dem chaotischen Chaos der Welt und ihrer selbst als Künstlerin in dieser Welt.
Dazu trägt auch die Verwendung heterogener und unterschiedlich miteinander verbundener Materialien bei, die den Raum verändern und seine Wahrnehmung und Nutzbarkeit radikal verändern. Eine Poetik aus Haushaltsmaterialien wie Küchenutensilien, die neben Plastikbehältern existieren, Stühle, die sich mit Lampen vermischen, eine Ansammlung und eine kontinuierliche Anordnung von Elementen, instabil, weil sie nicht durch eine vorher festgelegte hierarchische Ordnung reguliert werden und von außerordentlicher chromatischer Sensibilität durchdrungen sind mit hellen, lebendigen, sogar dissonanten Tönen. Zufällige Begegnungen zwischen Dingen, die sich in Richtung einer anti-formalen Überwindung des Minimalismus bewegen, und die zum Nachdenken über den weltlichen und kurzlebigen Charakter anregen, der unsere Existenz kennzeichnet, laden uns ein, über die Natur und die Mechanismen menschlicher Erfahrung nachzudenken.
„Alle Objekte, die wir verwenden, wurden von jemandem entworfen. Bei den meisten von ihnen wurden ihre Schöpfer nicht gefeiert. So, wie ich sie benutze, erkenne ich die intellektuellen und fühlenden Strukturen, die von einem anderen Geist eingebettet wurden. Diese Information begleitet mein Bewusstsein, dass die Formen, die ich benutze, im Dialog mit vielen anderen Gedanken in der Kunstgeschichte stehen. Mein Werk hat mich auf die unzähligen Arten der Verarbeitung aufmerksam gemacht, von denen all diese verschiedenen Materialien und Objekte zeugen.“
Minimal Art, Land Art, Relational Art sind alles Orte des Denkens, aus denen der*die Künstler*in wahrscheinlich schöpft, und dennoch hebt er*sie sich von allen anderen irgendwie ab. Der hybride und in gewissem Sinne unbestimmte Charakter ihrer Arbeit hat seine Wurzeln genau gesehen im Schmelztiegel seiner Existenz. Stockholder wurde als Tochter zweier nicht praktizierender Juden aus New York, beide Universitätsprofessor*innen, in Seattle geboren und wuchs in Vancouver auf. Sie hat in verschiedenen Teilen der Welt gelebt, für kurze Zeit auch in Ghana, und viele verschiedene Schulen besucht.
„Das Werk wächst aus dem Bestreben heraus, all diese Komplexität zu verstehen. Ich denke, meine Arbeit besteht auf Schönheit und Kohärenz angesichts von Schwierigkeiten, Kämpfen und verwirrender Komplexität.“
Das Werk Stockholders wird vom 5. Februar bis 16. Mai 2021 in Italien im Binario 1 & 2 der OGR – Officine Grandi Riparazioni in Turin in Zusammenarbeit mit „la Caixa“ Foundation & Fondazione per l’ArteModerna e Contemporanea CRT gezeigt. Seit den achtziger Jahren organisiert die Stiftung „la Caixa“ Ausstellungen, die sich auf zeitgenössische Künstler*innen konzentrieren und eine kontinuierliche Analyse der künstlerischen Sprachen des 20. Jahrhunderts darstellen. OGR hat Werke von „la Caixa“ mit Werken aus der Sammlung CRT vereint und die Künstlerin Jessica Stockholder eingeladen, eine Ausstellung zu kuratieren, die die Grenzen und das Potenzial des im weitesten Sinne verstandenen Bildmediums untersucht, und für die Räume der OGR einen neuen site specific Auftrag umzusetzen. „Eine komplizierte ‚Beziehung‘ zwischen den beiden. Auf diese Weise stelle ich die gleichen Fragen zur Grenze, die ich in meinen ‚Installationen‘ gestellt habe, bei denen Architektur zum Einsatz kommt.“
Im Frühjahr 2021 wird dann in der Galerie Raffaella Cortese in Mailand eine Einzelausstellung der Künstlerin gezeigt, die aus einer Reihe von Zeichnungen mit dem Titel „Corona Homeworks“ besteht, die die Künstlerin daheim während der Zeit des von der Pandemie bedingten Lockdowns geschaffen hat.
