Das Leben als Reise zwischen Realität und Traum

Antizipation in der abstrakten Kunst von Kenneth Blom

Schicht für Schicht lagert Ken­neth Blom das Mate­ri­el­le, sei­ne Far­ben, über­ein­an­der, setzt, schabt, kratzt, wischt auf der gesam­ten Lein­wand, Struk­tu­ren ent­ste­hen, Stim­mun­gen – bis der Maler das Farb­kli­ma ein­fasst in archi­tek­to­ni­sche Räu­me. Der eine Moment: ein­ge­fro­ren. Vol­ler Span­nung, was im nächs­ten Moment gesche­hen wird! Denn dem Künst­ler ist nicht der Weg bis hier­her wich­tig, son­dern jetzt beginnt etwas Neu­es, von hier aus

Ken­neth Blom ist durch und durch ein huma­nis­ti­scher Maler: Sei­ne abs­trak­te Tech­nik ist eben­so mensch­lich wie die figu­ra­ti­ven Anker­punk­te, die dann am Ende doch immer auf sei­nen Lein­wän­den ent­ste­hen – und so sei­ne Kunst ins Leben holen. Die­se emo­tio­na­len Impul­se, die den Betrach­ter in das Bild zie­hen, lösen die sub­jek­ti­ven Asso­zia­ti­ons­ket­ten aus, die wir (oft­mals) brau­chen, um unser Selbst mit ein­brin­gen zu kön­nen. Auf die­se Wei­se öff­net Ken­neth uns die Tür, die allein dazu dient, unse­re Geschich­te zu fin­den. Erin­nern Sie sich an die Schla­fens­zeit in Ihrer Kind­heit? Wir wur­den ins Bett gebracht und dann allei­ne gelas­sen. Wäh­rend der Tag in uns aus­klang, began­nen wir unbe­wusst, in Tape­ten, Kis­sen oder der Glas­ein­fas­sung der Tür Mus­ter zu sehen, die sich sche­men­haft lang­sam in der eige­nen Fan­ta­sie zu Gebil­den, ja meist zu Wesen form­ten, und wir mit ihnen eine gute oder gru­se­li­ge Geschich­te entsponnen.

Wahr­schein­lich ist es ein archai­scher Instinkt in uns Men­schen, der uns immer Gegen­ständ­li­ches zu sehen ver­su­chen lässt. Ein wenig erscheint mir Ken­neths Arbeit wie eine erneu­te Befrie­dung der Karl Hofer’schen Hal­tung (im Groh­mann-Streit), die „Unter­schei­dung einer gegen­ständ­li­chen und unge­gen­ständ­li­chen Kunst sei absurd“. Ich mei­ne, dass ohne die theo­re­ti­sche Her­lei­tung der Braque’schen und Picasso’schen Dekon­struk­ti­on auch nie ein offi­zi­ell aner­kann­tes Ver­ständ­nis für den Kubis­mus ent­wi­ckelt wor­den wäre: Als wenn das mensch­li­che Gehirn per­ma­nent bemüht sei, Abs­trak­tes oder Leer­stel­len auf­zu­fül­len und mit Gelern­tem abzu­glei­chen – selbst beim Löcher-in-den-Him­mel-Star­ren suchen wir unwill­kür­lich nach Reso­nanz und ent­stei­gen erst dann der Ver­un­si­che­rung, wenn wir die Welt in uns durch Wol­ken­scha­fe erklä­ren kön­nen. Ähn­li­che Pro­ble­me haben im Übri­gen Kunst­schaf­fen­de, wenn sie ihren Strich, ihr Sujet oder ande­res Wie­der­erkenn­ba­res ändern, und so nicht mehr ein­fach in Kunst­markt-Schub­la­den gepackt wer­den kön­nen. Aller­dings ist dies auch oft der Moment, in dem wir sam­meln­den Kunst­lieb­ha­ber uns abwen­den, wenn wir also mer­ken, dass sich der Künst­ler nur noch selbst kopiert.

Wir Samm­ler wis­sen auch, dass ein Kunst­werk unser ganz per­sön­li­ches Leben ver­än­dern kann. Und was denkt Ken­neth Blom über sei­ne Arbeit? „Arbeit kommt von Arbeit, ohne Alko­hol oder Dro­gen, das ist knall­hart“, sagt er in einem Inter­view mit Niko­la Kuhn.  „Nach dem Kampf auf der Lein­wand bleibt für mich immer etwas, das es wert ist, beschützt zu wer­den, ja, dar­auf Acht zu geben.“

Ken­neth Blom ist nicht nur ein huma­nis­ti­scher Maler, weil er weiß, wie wir ticken, son­dern auch, weil er das Leben als eine Rei­se zwi­schen Rea­li­tät und Traum emp­fin­det und Wahr­haf­tig­keit im Kol­lek­tiv sieht: „Eine ech­te Lebens­ge­schich­te besteht dar­in, dass du Men­schen brauchst, um dich im Leben zu füh­len.“ Der Schluss liegt nahe, dass Ken­neth’ Bild­spra­che doch auch etwas mit sei­ner Her­kunft zu tun hat: In Däne­mark gebo­ren, wuchs er in Oslo auf. Und in Nor­we­gen füh­ren die Men­schen kei­nen äuße­ren Krieg, jedoch einen inne­ren: den gegen die Ein­sam­keit. Iso­la­ti­on und Distanz bewoh­nen sei­ne Bil­der. Der Fak­tor Mensch, ein­ge­fasst in die urba­ne Land­schafts­kon­struk­ti­on der Moder­ne, trifft auf das Kon­zept sei­ner Natur, zusam­men sein zu wol­len. Das, was Ken­neth Blom in uns aus­löst, hat er vor­her nicht durch­dacht. Und da er nicht gern über sei­ne Kunst spricht, lässt er uns allein damit, wie die Geschich­te nun weitergeht.

Der Däne (*1967) arbei­tet vor­ran­gig in Oslo, lebt aber auch viel in New York und Hong Kong. Ab 1994 stu­dier­te er nach vier Jah­ren an der Sta­tens Kunst­aka­de­mi in Oslo an der Düs­sel­dor­fer Aka­de­mie der bil­den­den Küns­te. Zwölf Jah­re spä­ter gelang ihm das Unglaub­li­che: Als ers­ter leben­der Maler bekam er bei Sotheby’s in Lon­don eine eige­ne Aus­stel­lung. Fran­cis Out­red (Head of Pri­va­te Sales Con­tem­po­ra­ry Art) setz­te sich dafür ein, dass die­se Schau ein­fach ein­mal ande­re Wege als den tra­di­tio­nel­len – mit einem Auk­tio­na­tor an der Spit­ze – ging. Direkt auf­fal­lend ist auch Ken­neth’ offen­si­ver Umgang mit sei­nen Bil­dern in Auk­tio­nen (knapp 50 laut art­pri­ce): Er pos­tet sie – und man kann sich dar­auf ver­las­sen, dass er auch den Zuschlag­preis doku­men­tiert. Mit sei­nen Gale­ris­ten hat er lang­jäh­ri­ge Bewun­de­rer gefun­den: In Oslo fin­den Sie sei­ne Arbei­ten seit 2002 in der Gal­le­ri Haa­ken, in New York seit 2010 bei McCoy und in Ber­lin  bei Lui­sa Catucci.