Eine außergewöhnliche Ausstellung in der Fondazione Prada (endete bereits am 27. Februar 2022) feiert das Genie von Domenico Gnoli, das bei Fachleuten große Liebe und Bewunderung hervorruft, aber der breiten Öffentlichkeit noch wenig bekannt ist. Geboren am 3. Mai 1933 in Rom als Sohn von Umberto Gnoli, Kunsthistoriker, und Gräfin Annie de Garrou, Malerin und Keramikerin, lebte er von seiner Jugend an in einem anregenden familiären Umfeld, mit Neigung zu einem soliden klassischen Kulturhintergrund: »Von klein auf war mir klar, dass ich Maler werden würde«, erklärt er in seiner Autobiografie von 1965, »weil mein Vater sehr deutlich gemacht hat, dass dies das einzig Annehmbare sein würde«. Obwohl ihn das familiäre Umfeld zur Malerei drängt, hat Domenico darüber hinaus eine große Leidenschaft für Illustrationen, Dekorationen und Theaterszenografien, so dass er sich 1952 für einen Szenografiekurs an der Akademie der Schönen Künste in Rom einschreibt, den er unterbricht, um sich der Theatergruppe der Kompanie Capodaglio-Pilotto-Carraro-Miserocchi anzuschließen. Im Herbst 1953 reiste er zum ersten Mal nach Paris, wo er den großen Schauspieler und Regisseur Jean Louis Barrault kennenlernte, der sofort sein Talent erahnte und ihn im November 1954 mit einem begeisterten Empfehlungsschreiben zu Sir Lawrence Olivier und Sir John Gielgud nach London schickte.
Im März 1955 übertrug ihm das Old Vic Theatre die Verantwortung für die Bühnenbilder und Kostüme für »Wie es euch gefällt«: Die Oper wurde mit großem Erfolg inszeniert und alle Kritiker zollten dem Bühnenbildner-Kostümdesigner größtes Lob, zur Überraschung des feineren Publikums. Die Skizzen, Illustrationen, Kostümentwürfe und Szenografien aus den Jahren 1951 bis 1955, in denen sich der Künstler der Theaterarbeit in den großen Hauptstädten des europäischen Theaters widmete, werden im ersten Stock der Prada Foundation ausgestellt, um so eine Verbindung zwischen dieser intensiven Tätigkeit als Illustrator und Bühnenbildner und der als Maler zu schaffen, die sich erst in den 1960er Jahren richtig entfaltete, zunächst in New York und dann auf Mallorca, wohin der Künstler 1963 zog. In einem Brief an seine Mutter aus dem Jahr 1963 schreibt Domenico über ein wiederentdecktes Glück in der Malerei: »Ich male, wie es mir gefällt, ohne mich um die Jahrhundertkultur und meine Verantwortung ihr gegenüber zu sorgen und so wie ich zu leben beabsichtige: frei und treu nur dem Maß an Wahrheit treu, das ich jetzt fühle«.
1964 ist das Jahr der internationalen Explosion der Pop Art, die auf der Biennale von Venedig triumphiert und in gewisser Weise den Weg für Gnolis Erfolg ebnet: »Erst jetzt ist meine Malerei dank der Pop Art verständlich geworden«, schreibt er in seiner Autobiographie. In Paris bietet André Schoeller ihm für Ende ’64 eine Ausstellung an: 12 Leinwände werden ausgestellt, Acrylfarben mit Sand, Leim und Zement vermischt, die ersten Gemälde mit vergrößerten Details, von denen die Presse begeistert spricht. 1965 nahm er an der von Giuseppe Marchiori organisierten Ausstellung »de Métafisica« in der Galerie Krugier in Genf teil, was deutlich auf die tiefe Verbundenheit des Künstlers mit der italienischen Kultur hinweist: »Ich bin insofern metaphysisch, als dass ich nach einem Gemälde suche, das nicht wenig sagend ist, unbeweglich und von einer Atmosphäre, die sich von statischen Situationen nährt. Ich bin kein Metaphysiker, weil ich nie versucht habe, ein Bild zu inszenieren, zu fabrizieren. Ich verwende immer bereits vorhandene und einfache Elemente, ich möchte nichts hinzufügen oder abziehen. Ich hatte nie den Wunsch, mich zu verformen: Ich isoliere und präsentiere. Meine Themen entstammen aktuellen Ereignissen, aus vertrauten Situationen des Alltags. Da ich nie aktiv gegen das Objekt interveniere, kann ich die Magie seiner Präsenz spüren«. Und diese Magie des Alltagsgegenstandes ist der rote Faden, der alle Teile der von Germano Celant konzipierten und vom 2x4 Studio in New York aufgebauten Ausstellung verbindet, nicht chronologisch, sondern ikonografisch.
Eine Wahl, die sich von der Magie des Objekts mitreißen lässt, intelligent und treffend: Der Raum des Podiums der Fondazione Prada ist somit in eine Folge von Wänden unterteilt, in denen die thematischen Serien gruppiert sind, dank derer es möglich ist, zu erkennen wie jedes Bild andere Werke in einer kohärenten Ausdrucksrichtung hervorgebracht hat, beginnend bei Möbeln und Sofas, über Haare und Hemden bis hin zu Damenschuhen und Herrenhosen, und schlussendlich zur Krawatte. Aus der Nähe betrachtet bestehen Domenico Gnolis Gemälde aus einem sandigen Bildmaterial; Objekte und Details nehmen eine zentrale Stellung auf der Leinwand ein und werden im Laufe der Jahre immer stärker betont: der Knopf, das Herrenhemd, der Damenschuh, das Kissen. Die Körper unter den Laken treten durch die Verzierungen der Bettdecken hervor, die Brüste und der wohlgeformte Hintern markieren die blumigen Kleider der Frauen; alles ist vergrößert, die Knoten der Krawatten, die Taschen der Jacken, die Kragen der Herrenhemden. In der bereits erwähnten Autobiographie schreibt Gnoli: »Für mich kann die Vorstellung, die Erfindung nichts Wichtigeres, Schöneres und Schrecklicheres hervorbringen als den Alltagsgegenstand, verstärkt durch die darauf gerichtete Aufmerksamkeit.
Es sagt mehr über mich aus als alles andere, es erfüllt mich mit Angst, Ekel und Verzückung. Ein Objekt, allein vor mir, dass ich allein bin, genau davor, so wie ich jemanden vor mir haben möchte, der mich wirklich interessiert, in einem guten Licht, um es besser beobachten zu können: welche Fragen bleiben dann noch zu stellen? Für mich jedenfalls keine«. Triviale, einfache Dinge, gar nichts außergewöhnliches, werden so von Gnolis Pinsel »beleuchtet« und veredelt; seine künstlerische Suche hebt den Kontext auf und fokussiert auf das Besondere und unterstreicht so dessen emotionale und mentale Aufladung durch eine präzise und materielle Malerei, die alles gleich behandelt, sei es Haarsträhne, Krawatte oder Knöpfe. Ein dokumentarischer Ansatz, der »alle natürlichen und künstlichen Dinge auf eine Ebene stellt und einen egalitären Willen ausdrückt: die Rache der unbedeutenden und disqualifizierten Elemente aus der Rangordnung der Werte: das Geringgeschätzte und das Sekundäre, das Beiwerk und das Vernachlässigbare«, wie Germano Celant beobachtete. Gnoli verleiht diesen stillen Beiwerken, diesen kleinen Dingen ein neues Leben: Der Prozess der Isolierung und Verstärkung bestimmt eine Entfremdung in den Objekten, die sie fast unkenntlich macht, besonders wenn sie in einen realen Kontext zurückgebracht werden. Dadurch sind Gnolis große Leinwände wie mysteriöse Objekte, abstrakte Bilder durch zu viel Treue, balanciert zwischen Hyperrealismus und Metaphysik, weil sie Einsamkeit fordern und wollen, weil sie uns vom Geheimnis der Dinge erzählen. Dies ist Gnolis Antwort auf die Pop Art, durch seine Leinwände und sein eigenes Schreiben, das die Poetik des Künstlers gut definiert: »In einem Moment wie diesem der bilderstürmerischen Anti-Malerei, die alle Verbindungen zur Vergangenheit brechen möchte, versammle ich meine Arbeit in dieser uneloquenten Tradition, die im 15. Jahrhundert in Italien geboren wurde und die uns schlussendlich durch die metaphysische Schule überliefert wird. Während die Erfahrung derjenigen, die interpretieren, verformen, zerlegen und neu erschaffen wollten, vorbei zu sein scheint, kehrt die Realität unbeirrt und intakt zu uns zurück. Der gewöhnliche Gegenstand, isoliert von seinem üblichen Kontext, erscheint uns als der beunruhigendste Zeuge unserer Einsamkeit ohne Verwendung von Ideologien und Gewissheiten«. Eine Stimme, die aus dem Chor herausragt, ein einsamer und melancholischer Künstler, gezwungen, Illustrator zu sein (darüber hinaus hervorragend), um zu leben: In diesem Sinne ermöglicht ihm der Beruf des Illustrators, seine Bildforschung fortzusetzen, ohne sich selbst täglich mit dem Kunstmarkt konfrontieren zu müssen, was bedeutet, ohne Hektik und weitere Sorgen reifen zu können. 1968 ist das Jahr der internationalen Weihe, der Künstler wird 35 Jahre alt: Im März richtet der Palais des Beaux Arts in Brüssel, im Mai die Kestner Gesellschaft in Hannover seine persönlichen Ausstellungen ein. Im Juni stellt er in Deutschland zur vierten Auflage der »Documenta« aus. In Kassel bietet ihm der große New Yorker Galerist Sidney Janis angesichts seiner Werke eine Einzelausstellung an, die im Dezember 1969 eröffnet wird. Domenico schrieb seiner Mutter einen langen Brief über die Erfahrungen in Kassel vom Sommer 1968: »Um noch einmal auf die Kasseler Ausstellung zurückzukommen, möchte ich dir offen sagen, dass es sich um eine Ausstellung handelt, die wirklich eine Vorstellung davon gibt, was in der Malerei in der Welt geschieht: man muss sie sehen. Ich meine damit keineswegs, dass alles gut ist, im Gegenteil, man kehrt irritiert und verloren zurück, aber mit dem Gefühl, einen Blick auf den gesamten Welthorizont der sogenannten Avantgarde-Künste gehabt zu haben. Ich glaube, dass niemand fehlt und alle mit wichtigen Werken vertreten sind.
Obwohl meine Bilder ziemlich groß sind, sehen sie im Vergleich zu den anderen wie Briefmarken aus. Ich bin, wie gesagt, sehr müde, aber auch sehr glücklich zurückgekehrt. Zum ersten Mal hatte ich das Gefühl, aus diesem Limbo der Hoffnungen und Versprechen, der Isolation und Unsicherheit, in dem ich immer gelebt habe, herausgekommen zu sein, um mich zu Recht als Teil dieser Kultur unserer Zeit zu fühlen, und präsentierte ein Werk, das zwar diskutiert wurde und nicht von allen akzeptiert, aber dennoch immer als ernsthafter und origineller Beitrag zur heutigen Situation angesehen wird«. 1969 ist ein intensives Jahr harter Arbeit, im Dezember gibt es eine Ausstellung in New York und der Künstler malt den ganzen Tag und am Abend, nach dem Essen, macht er Skizzen für Gemälde und Karikaturen, die er »Cartoons « und kurze Komödien nennt. Erschöpft von intensiver Arbeit und beginnender Krankheit bricht er im Januar 1970 zu einer Kreuzfahrt zu den Kleinen Antillen auf. In Granada trifft ihn starkes Fieber, er kehrt schwer krank nach New York zurück, wo er am 17. April im Alter von fast 37 Jahren stirbt. Ein Wunderkind Domenico Gnoli, ein Isolierter, der sich in seinen zeitgenössischen künstlerischen Strömungen nicht wiedererkannte, der in der Lage war, sie alle zu durchlaufen – Minimalismus, Hyperrealismus, Pop Art – um zu einem soliden Gemälde zu gelangen, das aus der Lehre von Masaccio und Piero della Francesca stammt und fortfährt mit Piranesi, De Chirico, Severini und Campigli: die italienische Seele eines unerschöpflichen Reisenden, der jede Empfindung in eine Figur verwandeln und zeitlose Bilder schaffen kann, gefangen von dem Zweifel, seiner eigenen Zeit entfremdet zu sein, wie er in einem Brief an seine Mutter einige Monate vor seinem Tod schreibt: »Sicher ist, dass wenn man wie ich die Blüte seiner Zeit in einem heißen Atelier malt, einen Knopf annäht, dann kommt der Gedanke auf, eine Mumie zu sein, ein Höhlenmensch, seiner eigenen Zeit entfremdet. Aber es ist nur ein Gedanke, denn wenn wir uns umschauen, beruhigen uns die Dinge: Dem Mann von heute, mit dem ich mich mittels meiner Malerei unterhalte, ist das Weltraumabenteuer noch zutiefst fremd, während der Knopf, äh, der Knopf fest vernäht ist in den Stoff der Erfahrung jedes Einzelnen…«.
