Porträt einer Künstlerin
Der Dialog zwischen den modernen kreativen und den früheren Generationen ist der anschauliche rote Faden, der die von Cecilia Alemani kuratierte Ausstellung »The Milk of Dreams« bei der 59. Internationalen Kunstausstellung – La Biennale di Venezia – charakterisiert. Eine Reihe von Ausstellungen in der Ausstellung, verteilt auf die Gärten und das Arsenale, von der Kuratorin selbst als Zeitkapseln beschrieben, mit dem Ziel, verschiedene Zeitlichkeiten abzubilden, um eine transhistorische Ausstellung entstehen zu lassen, die auch Gegengeschichten und Geschichten der Ausgrenzung erfasst. In der dritten Kapsel mit dem Titel Corpo orbita, welche Künstlerinnen und Schriftstellerinnen versammelt, die im 19. und 20. Jahrhundert erweiterte Sprachformen als Werkzeuge der Emanzipation verwendeten, finden wir auch Carla Accardi (Trapani, 1924 – Rom, 2014), eine der ausgefallensten Stimmen der zweiten Nachkriegszeit unter den größten Vertretern des italienischen Abstraktionismus.
Nach ihrem Studium an der Akademie der bildenden Künste in Palermo zog Accardi 1946 nach Rom. Im folgenden Jahr gründete sie mit Attardi, Consagra, Dorazio, Guerrini, Perilli, Sanfilippo und Turcato die künstlerische Avantgarde Gruppe Forma 1. Die systematische Erforschung und Betonung der Verbindung von Zeichen und Farbe wird ihre sich ständig weiterentwickelnde künstlerische Persönlichkeit über ein halbes Jahrhundert lang charakterisieren. Ausgehend von den fünfziger Jahren des letzten Jahrhunderts, in denen sie eine Reihe weißer Zeichen auf schwarzem Hintergrund produziert, bis hin zum darauffolgenden Jahrzehnt – die Zeit der feministischen Militanz –, in der das Bewusstsein für leuchtende Farben reift, ist Accardis Arbeit eine kontinuierliche Entwicklung, die dazu führt, dass sie die flache Oberfläche der Malerei überwindet: Sie erfindet räumliche Formen aus Sicofoil-Folien (Zellulose-Acetat-Folien), auf denen die Farbspuren transparent sind. Eine Beziehung zwischen Schöpfung und Raum, die in den siebziger Jahren in wirklich bewohnbare und begehbare Strukturen in Form von Vorhängen mündete, um schließlich in den achtziger Jahren in der Verwendung von rauen Leinwänden anzukommen, aus denen Farbakzente unterschiedlicher Intensität strömen.
Wir haben mit Alessandra Minini, Tochter des in Brescia (Italien) lebenden historischen italienischen Galeristen Massimo Minini, über diese innovative und wichtige Persönlichkeit der zeitgenössischen Kunstszene gesprochen. Sie leitet zusammen mit ihrer Schwester die 2006 gegründete Galerie Francesca Minini in Mailand, in der Erfahrungen aus der Vergangenheit, die sie durch die Unterstützung ihres Vaters gesammelt hat, mit der Suche nach neuen internationalen Talenten verbunden werden.
Ich möchte Sie zunächst bitten, ein Porträt von Carla Accardi in erster Linie als Frau und nicht als Künstlerin zu skizzieren, da Sie das große Privileg hatten, sie persönlich zu kennen.
ALESSANDRA MININI: Ich mochte sie als Mensch sehr und habe sie glücklicherweise schon seit meiner Kindheit, seit sie ihre Zusammenarbeit mit der Galerie meines Vaters in den 1980er Jahren begann, besuchen dürfen. Damals wurde die Beziehung zur Künstlerin anders gelebt, sie war intensiver und auch persönlicher, ich erinnere mich zum Beispiel an einen gemeinsamen Urlaub. Sie war eine starke und kämpferische Frau, aber gleichzeitig liebevoll. Sie stammte aus einer bürgerlichen Familie und hatte daher eine bestimmte Erziehung. Sie sagte immer, was sie dachte, ohne sich einschüchtern zu lassen, aber bestimmt und nicht ohne eine gewisse Ironie. Sie liebte es, sich mit Menschen zu umgeben, um einen Gedankenaustausch anzuregen, ihr Atelier wurde oft von Künstlern, Dichtern und Intellektuellen besucht, die sie gerne trafen. Ihre Großzügigkeit zeigte sich auch in der Unterstützung junger Künstler, für die sie oft die Texte anlässlich ihrer ersten Ausstellungen schrieb. Als ich 2010 begann, mit meiner Schwester Francesca in der Mailänder Galerie zu arbeiten und die Beziehung zwischen diesem neuen und dem alten Raum in Brescia zu stärken und zu festigen, traf ich sofort den Entschluss, mich um die Position Accardi zu kümmern, da ich sie als Person und als Künstlerin sehr geschätzt habe.
Accardi war eine Vorläuferin in allem, auch in Bezug auf das Thema Feminismus, über den heute mit erneutem Nachdruck gesprochen wird. Es ist kein Zufall, dass diese 59. Ausgabe der La Biennale di Venezia, inspiriert vom Thema des Körpers und seiner Metamorphose und der zunehmend hybriden Verbindung zwischen Mensch und Technologie, auch von einer auffälligen weiblichen Präsenz geprägt ist.
Sicherlich war Accardi eine emanzipierte Frau, die, in den 1920er Jahren in Süditalien geboren, den Mut hatte, nach Rom zu ziehen, die Gruppe Forma 1, in der übrigens alle Männer waren, ins Leben zu rufen und 1970 zusammen mit Carla Lonzi und Elvira Banotti die Gruppe Rivolta Femminile zu gründen. Aber ich muss sagen, dass sich Accardi später von dieser letzten Gruppe wieder distanzierte. Vielleicht hatte sie die Absicht, den Wunsch nach femininen Forderungen nicht zu sehr zu betonen, und ich finde das auch eine sehr offene und zeitgemäße Haltung. Ich glaube, aber das ist meine persönliche Meinung, je mehr Gleichberechtigung zwischen den Geschlechtern gefordert wird, auch beispielsweise in Ausstellungen, die ausschließlich Künstlerinnen gewidmet sind, desto mehr riskiert man, eine Art Ghettoisierung zu unterstützen. An einem bestimmten Zeitpunkt entfernte sich Accardi, obwohl sie diese Bewegung gegründet hatte, irgendwie von ihr. Natürlich verleugnete sie die Bewegung nicht, sondern führte dieselben Ideen einfach in ihrem künstlerischen Denken fort, in ihrem Schaffen, das dann tatsächlich gleichermaßen ohne Unterscheidung von Geschlecht anerkannt wurde.
Was kann Accardis Ausdrucksweise jungen Künstlern heute beibringen? Und warum ist es immer noch so außerordentlich relevant?
Als wir sie zum ersten Mal auf die Art Basel nach Hongkong mitnahmen, waren Francesca und ich sehr überrascht zu sehen, dass einige Sammler, die sie nicht kannten und von ihrer Arbeit fasziniert waren, sie für eine junge Künstlerin hielten. Dies zeigt, dass Accardi immer mit der Zeit gegangen ist, während der rote Faden der Zeichen, der sie immer charakterisiert hat, intakt geblieben ist und so eine Art eigenes Alphabet geschaffen wurde. Als sie starb und ich begann, mit dem Accardi Sanfilippo Archivio zu arbeiten, ging es mir vor allem darum, sie international bekannter zu machen und sie auch mit jüngeren Künstlern in einen Dialog zu bringen, ohne sie ausschließlich in die Moderne zu verweisen, sondern diesen experimentell innovativen und aktuellen Aspekt von ihr aufzuzeigen. Tatsächlich ist sie auch heute noch eine große Inspiration für viele Künstler. In diesem bedeutsamen Moment, in dem die Malerei zurückkehrt, kann Accardi sicherlich noch viel über das Verständnis des Trägers, das Experimentieren mit dem Rahmen, die Beziehung zu Licht und Farbe und die Verwendung von plastischen Materialien lehren. Ihre Botschaft ist die des kontinuierlichen Experimentierens, das einer festen Idee treu bleibt. Auch in den Installationen, den berühmten Vorhängen zum Beispiel, weicht sie nie von einem erkennbaren Bildaspekt ab. Und vielleicht kann dies die Lehre sein: die Wiederholung einer täglichen und konstanten Praxis, mit einem immer offenen Auge für das, was um uns herum passiert, dem eigenen Glauben und seiner Authentizität treu bleiben, aber ohne Angst, neue Wege auszuprobieren. Apropos Malerei, das kann bedeuten, auch eine zweidimensionale Technik in Räumlichkeit kennenzulernen, an der Konstruktion eines Rahmens zu arbeiten und daran, wie sich das Gemälde auch auf dreidimensionaler Ebene in die Umgebung ausdehnen kann.
Man könnte von einer Art Loyalität gegenüber dem Medium Bild sprechen, die trotz der Evolution ihrer Praxis intakt geblieben ist. An welchem Punkt stand Accardis Recherche, als Ihre Zusammenarbeit in diesem Zusammenhang in den 1980er Jahren begann?
In jenen Jahren entstand die Parentesi-Serie. Nach den Jahren des Experimentierens mit Sicofoils kehrt Accardi zur Malerei auf roher Leinwand mit einem Zeichen zurück, das sich tatsächlich von dem vorherigen unterscheidet, einer schnellen, sehr lebhaften Geste, auch in der Verwendung von Farbe, die sich als Wirbelsturm von Lichtschattierungen offenbart, mit dem lebendige und konzentrische Formen entstehen. Eine spezifische Typologie dieser Zeit, die sie nie wieder wiederholen wird. In den 90er Jahren hingegen entdeckt sie ihr vielleicht bekanntestes Zeichen wieder, das typisch für die 50er und 60er Jahre war, vergrößert es jedoch und betont die Farbe. Ein sehr zeitgenössisches Zeichen, das sie in die abschließende Zeit führt, die der frühen 2000er Jahre.
Als Beweis für den großen Wert dieser Künstlerin widmet ihr die Galerie Francesca Minini (Mailand) jetzt ihre persönliche Ausstellung mit dem Titel »Schreiben mit Farbe«. Können Sie mir etwas über dieses Ausstellungsprojekt erzählen?
Die von Lorenzo Benedetti kuratierte Ausstellung, die in Zusammenarbeit mit dem Accardi Sanfilippo Archivio entstanden ist, bietet eine weitere Deutungsebene ihrer Arbeit. Die innige Beziehung zwischen ihrer Malerei und der Poesie. Accardi hatte viele Dichterfreunde, die das Atelier besuchten, ihr ihre Gedichte widmeten und Verse schrieben, während sie malte. Ihr Assistent, Francesco Impellizzeri, der ihr mehr als zwanzig Jahre zur Seite stand und an der Realisierung unserer Ausstellung mitgewirkt hat, hat ihr manchmal Gedichte vorgelesen, während sie gearbeitet hat. Sie selbst schrieb Sätze, die sie inspirierten, in ein kleines Notizbuch. Einige dieser Verse wurden später zu Titeln ihrer Werke. Das Ansinnen dieses Projekts ist es, Accardis Zeichen zu offenbaren, das gleichzeitig zu einem Alphabet und Poesie wird. Unter den ausgestellten Werken befindet sich auch ein sehr wichtiges, das aus fünfzehn Tuschezeichnungen besteht und elf Meter lang ist, wobei hinter jeder Zeichnung der Vers eines Gedichts steht. So dass sie alle zusammen eine einzige Komposition bilden, die zeigt, wie in ihrem Werk der Vers untrennbar mit dem Zeichen und dem Bild verbunden ist. Ebenfalls zu sehen sind die Parentesi-Gemälde, eine ganz besondere Serie, die, wie vorhin erklärt, in den 80er Jahren entstand.
Ich möchte mit einer allgemeinen Überlegung abschließen und Sie fragen, ob dieses erneute Interesse an Accardis Werk nicht irgendwie die Folge eines typisch italienischen Ansatzes ist, der ausländerfreundlich ist und dazu neigt, die Talente »der Heimat« zu unterschätzen. Und dann Schadensbegrenzung betreibt, wenn dieselben Talente im Rest der Welt gefeiert werden.
Sicherlich hat Accardi weniger Auszeichnungen erhalten, als sie im Leben verdient hätte, aber das passiert oft in Italien, weil das Hauptproblem italienischer Künstler darin besteht, dass sie nicht angemessen von Institutionen unterstützt werden, sondern nur von Einzelpersonen und Galerien. Wir zum Beispiel, die auch viele internationale Künstler vertreten, sehen, wie ihr System sie unterstützt, indem es Mittel für Ausstellungen und Publikationen bereitstellt, damit ihre Arbeit wachsen und eine weite Verbreitung finden kann. Und dies ist offensichtlich ein Anreiz für die Förderung, aber auch für das Wachstum des Künstlers selbst, der die Möglichkeit hat, sich kontinuierlich mit verschiedenen Räumen und Kuratoren zu konfrontieren. Leider gibt es diese Praxis in Italien nicht, und italienische Museen bevorzugen sehr oft ausländische Künstler, was zeigt, dass wir selbst unsere Kreativität oft nicht verteidigen. Stattdessen glaube ich, dass es eine Verantwortung ist, eine Verpflichtung einzugehen, auch als Galeristin. Weil ich Italienerin bin, habe ich eine Galerie in Italien und ich glaube an die italienischen Künstler, mit denen ich arbeite. Kürzlich widmete das Museo del 900 in Mailand Carla Accardi eine sorgfältige und zeitgemäße Retrospektive, und wir hoffen, dass diese Ausstellung sich auch anderen Ländern zuwenden kann und den Beginn einer wohlverdienten Aufmerksamkeit für ihr Werk markiert.
