Peltons unverwechselbare Gemälde können als metaphysische Landschaften beschrieben werden, die ihre Wurzeln in der kalifornischen Wüste in der Nähe von Cathedral City haben, obwohl sie aus einer Sensibilität heraus entstanden sind, die bereits vor der Ankunft der Künstlerin im Westen vorhanden war. Geboren als Tochter amerikanischer Eltern in Stuttgart, Deutschland, lebte Pelton (1881–1961) mit ihrer Familie kurzzeitig in Basel, Schweiz, und kehrte 1888 in die Vereinigten Staaten zurück. Sie schloss 1900 ihr Studium am Pratt Institute in Brooklyn ab und arbeitete im selben Jahr als Assistenzlehrerin an der Ipswich Summer School of Art in Massachusetts. 1910 studierte sie „life drawing“ an der British Academy of Arts in Rom, und 1913 stellte sie auf Einladung des Malers und Kunstförderers Walt Kuhn (1877–1949) in der Armory Show aus.
Pelton begegnete dem Südwesten erstmals 1919, als sie das Haus von Mabel Dodge Luhan (1879–1962) in Taos besuchte. In den 1920er Jahren bereiste sie die Welt und reifte zu einer Künstlerin, deren abstraktes Werk sich durch Interpretationen von Erde und Licht, biomorphen Kompositionen aus zarten Schleiern, schimmernden Sternen und atmosphärischen Horizontlinien auszeichnete. Aus praktischen und finanziellen Gründen entfernte sich Pelton aus der Kunstszene der Ostküste und ließ sich 1932 in Cathedral City, Kalifornien, nieder, wo sie fast 30 Jahre lang lebt. Trotz vieler missverständlicher Meinungen war Pelton keine Exzentrikerin, die zurückgezogen lebte. Sie ließ sich ruhig in einer Gemeinschaft mit einem kleinen Kreis von Freunden und Bekannten nieder, der es ihr ermöglichte, sich auf ihre Arbeit zu konzentrieren. Ihre Leidenschaft waren ihre Abstraktionen, aber sie malte auch realistische Wüstenszenen, Rauchbäume, Joshua-Bäume und das San-Jacinto-Gebirge. Diese Landschaften halfen ihr, die Rechnungen zu bezahlen, und gaben ihr ein kreatives Betätigungsfeld, das sich sehr von ihren abstrakten Kompositionen unterschied.
Sie verwendet Farbe auf so wunderbare Weise, dass einige dieser Gemälde mit einem Licht zu leuchten scheinen, das aus dem Inneren des Pigments kommt.
Die vom Phoenix Art Museum organisierte und derzeit im Whitney Museum of American Art (N.Y.) gezeigte Ausstellung „Desert Transcendentalist“ konzentriert sich auf Peltons abstraktes Werk, das in den 1920er Jahren aus einer durch ihre „Imaginative Paintings“ geprägten Entstehungsphase hervorging. Diese arkadischen Kompositionen, buschig und mit einer abgedunkelten Farbpalette, stellen weibliche Figuren in natürlichen Umgebungen wie Wäldern, Grotten oder windgepeitschten Landschaften dar.
Das früheste Werk in der Ausstellung, Room Decoration in Purple and Gray (1917), entstand in dieser Zeit und zeigt eine Figur in einer fantastischen Landschaft aus sich überlagernden Farbschleiern, mit einem Blumenarrangement und einem Blick auf einen Hügel im Hintergrund.
Ein bedeutender formaler und konzeptueller Bruch mit diesen frühen Kompositionen wird in The Ray Serene (1925) erreicht, einem Werk der reinen Abstraktion. Ohne Figur oder Grund ist seine Komposition von organischen Formen und Linien, sägezahnförmigen Pinselstrichen, die Bereiche von Oberfläche und Tiefe definieren und kontrastieren, geprägt. Gemälde wie Being (1926) und The Fountains (1926) lösen sich dann von der Realität und bewegen sich auf eine surreale Verkörperung von Licht, Raum und Schwingungen zu, die an Science-Fiction erinnert. In den 1930er Jahren kehren erdgebundene Elemente in Peltons Gemälde zurück. Horizontlinien, funkelnde Sterne und Landformen richten ihre Abstraktionen neu aus und spiegeln ihre eigenen Inspirationen, ihren Aberglauben und ihre Überzeugungen wider. Diese Gefühlszustände manifestieren sich in ätherischen Schleiern aus Licht, gezackten Felsformen und übertriebenen Horizonten, die an Theaterbühnen erinnern und einen Idealismus symbolisieren und veranschaulichen, der den philosophischen Grundsätzen des amerikanischen Transzendentalismus des 19. Jahrhunderts zu Grunde liegt.
Viele Werke in „Desert Transcendentalist“ sind von Peltons Interesse an Agni Yoga inspiriert, einer neotheosophischen religiösen Doktrin mit dem Feuer als leitender Kraft. Intimation (1933), eines von zwei Porträts in der Ausstellung, ist eine beunruhigende Darstellung von Nicholas Roerich (1874–1947), einem Lehrer des Agni Yoga und einem Künstler, dessen Gemälde hypnotischen Ausdruck haben sollen. Aufgrund dieser und anderer esoterischer Interessen wurde Pelton gebeten, einem Künstlerkollektiv beizutreten, das als „Transcendental Painting Group“ (TPG) bekannt ist. Diese kurzlebige Gruppe mit Sitz in Santa Fe, New Mexico, wurde 1938 von dem Künstler Raymond Jonson (1891–1982) gegründet, der mit dem Begriff „ungegenständlich“ unzufrieden war. Zu ihr gehörten Emil Bisttram (1895–1976), Ed Garman (1914–2004), Florence Miller Pierce (1918–2007), Stuart Walker (1904–1940) und andere. Die TPG verband Pelton kurzzeitig wieder mit dem Südwesten, obwohl es keine Hinweise darauf gibt, dass sie jemals in die Region zurückgekehrt ist.
Das Ausmaß ihres Engagements bei der TPG schien, abgesehen von ihrer Ernennung zur Ehrenpräsidentin, ihre Teilnahme an einigen Ausstellungen zu sein, und nach dem Ableben der Gruppe 1941 produzierte die damals 60-jährige Pelton weniger Abstraktionen und wandte ihre Aufmerksamkeit auf Wüstenlandschaften, um dringend benötigte Einnahmen zu erzielen. In den 1950er Jahren versagte Peltons Gesundheitszustand, und 1961 verstarb sie an Leberkrebs.
Trotz ihrer kleinen, aber hingebungsvollen Anhängerschaft von Kuratoren, Kunsthistorikern und Künstlern ist Pelton im Kanon der amerikanischen Moderne relativ unbekannt und unverstanden geblieben. Ihr langsames Wiederauftauchen aus dem Rand der amerikanischen Kunst begann durch kritische und akademische Neubewertungen ihres Platzes in der Kunstgeschichte, und in den 1980er Jahren begannen Archivierungsbemühungen, eine Grundlage von primären Forschungsmaterialien zu ihrem Werk und Leben zu erstellen. Die Agnes-Pelton-Papiere der „Smithsonian Institution“ wurden von Cornelia und Irving Sussman zusammengestellt und 1984 von Galerieleiter Jan Rindfleisch im Namen der Sussmans an die Archive gespendet. 1997 wurden ca. 162 Briefe von Pelton an Jane Levington Comfort, die heute Teil der Archivsammlung sind, über Joan Crisci, die Nachlassverwalterin von Comfort, an die Sussmans vermacht und dem Archiv gespendet. Der Großteil von Peltons Werken wurde in einer Publikation für eine 1989 von der Kunsthistorikerin Margaret Stainer kuratierte Ausstellung katalogisiert, die erste Einzelausstellung der Werke der Künstlerin seit 1955.
In den letzten Jahren ist das Interesse an Peltons Werk dank der anhaltenden Wertschätzung und Faszination für die amerikanische Kunst des Westens und Südwestens, ihrer Gemeinsamkeiten mit anderen Künstlern in der Region und einer neuen Generation von Künstlern und Kunsthistorikern, die die Diskussion um Abstraktion und Spiritualität zu erweitern suchen, wieder erwacht. Die letzte Überblicksausstellung ihres Werkes, „Agnes Pelton: Poet of Nature“ (1995), reiste durch die Vereinigten Staaten; eine Rezension in der New York Times von 1995 charakterisierte ihre Gemälde jedoch als ungleichmäßig und sprunghaft und implizierte fälschlicherweise, dass sie es war, die von der TPG inspiriert wurde, und nicht umgekehrt. Andere Rezensionen dieser Zeit waren jedoch mehr im Einklang mit ihrer besonderen Form der Abstraktion und stellten fest, dass ihr Werk nach wie vor weniger Beachtung fand. Zuletzt wurde Peltons Werk in Illumination: The Paintings of Georgia O’Keeffe, Agnes Pelton, Agnes Martin, and Florence Miller Pierce aufgenommen. Die Gruppenausstellung 2009 untersuchte die Verbindungen und Parallelen zwischen den vier amerikanischen Künstlerinnen. Zu diesem Zeitpunkt scheinen Peltons größte Fürsprecherinnen eine neue Generation von meist zeitgenössischen Malerinnen zu sein.
Zu ihnen gehören Mary Corse (geb. 1945), Alex Olson (geb. 1978), Linda Stark (geb. 1956) und Mary Weatherford (geb. 1963), um nur einige zu nennen. Für einige stellt Peltons Werk eine einzigartige Sensibilität dar, die sich sowohl innerhalb als auch außerhalb eines sauberen chronologischen Rahmens bildet, der Abstraktion und Darstellung voneinander trennt, da es beide Gattungen in unterschiedlichem Maße umfasst. In anderen Fällen ist es einfach die Verwendung von Licht als Medium, das Peltons frühe Forschungen überbrückt.
Abgesehen davon, dass sie sich von ihren Gemälden inspirieren ließen, haben viele dieser Künstlerinnen auch auf kuratorischer Ebene mitgewirkt, um das Bewusstsein für Peltons Leben und Werk zu schärfen. Mary Weatherford hielt 2016 im Ballsaal Marfa einen Vortrag mit dem Titel „Agnes Pelton und das amerikanische Transzendente“, und im selben Jahr wurde „The Ocular Bowl“, eine generationenübergreifende Ausstellung über die physische und metaphysische Manifestation des Sehens und ihre Auswirkungen auf Geist und Gedächtnis, mit Werken von Alex Olson, Linda Stark und Agnes Pelton gezeigt. Durch diese Bemühungen werden neue Gespräche über die amerikanische Moderne und Abstraktion geführt und unser aktuelles Wissen über die Rollen, die Frauen in der Entwicklung und Manifestation der Moderne gespielt haben, erweitert. „Agnes Pelton: Desert Transcendentalist“ führt uns in diese Zusammenhänge und Interpretationen ein, während sie gleichzeitig Peltons rechtmäßigen Platz in der amerikanischen Kunstgeschichte behauptet und mit Nachdruck verkündet, wie vor fast 90 Jahren festgestellt wurde, dass sie ein Vorbote für die Zukunft ist.
DiePhoenix-Premiere dieser Ausstellung wurde durch die Großzügigkeit der „Andy Warhol Foundation for the Visual Arts“ ermöglicht und teilweise durch einen Preis der „National Endowment for the Arts“ unterstützt.
