Interview mit Jeffrey Deitch
„DA CAPO!” ist der Titel der neuen Ausgabe des Magazins stayinart. Da Capo ist ein italienischer Begriff, der ursprünglich in der Barockmusik verwendet wurde und „von Anfang an” oder „eine bestimmte Passage oder eine musikalische Note wiederholen” bedeutet. Durch die gegenwärtige weltweite Gesundheits- und Wirtschaftskrise müssen viele Menschen mit ihrem Leben und ihrer Karriere von vorne beginnen oder das, was sie bereits im Leben erreicht haben, noch einmal wiederholen. Dies trifft insbesondere auch auf die Kunstwelt, die Galerien, die Künstler*innen und Museen zu. Ein Online-Gespräch mit dem renommierten Kunsthändler, Kurator und ehemaligen Museumsdirektor Jeffrey Deitch könnte dazu beitragen, diese, der Wahrnehmung nach, bedrückende Situation, durch seinen innovativen und kreativen Geist neu zu erfinden. Das Zitat „Jeffrey forever” basiert auf einer Aussage der italienischen Künstlerin Vanessa Beecroft während der Dreharbeiten zur Dokumentation „Jeffrey Deitch’s Los Angeles“ von Artbound auf KCET vom Juni 2019. Es blieb mir im Gedächtnis haften, denn Jeffrey ist für immer, mit oder ohne Krise. Er ist hartnäckig, ausdauernd, überdauernd, entschlossen und zukunftsorientiert.
EIN EXPERTEN-GESPRÄCH ZWISCHEN BARBARA STEFFEN (WIEN) UND JEFFREY DEITCH (LOS ANGELES)
BARBARA STEFFEN: Jeffrey, wir kennen uns seit 1986. Damals wurde ich dir von einem gemeinsamen Freund in London vorgestellt. Du warst als Kunstberater und Kurator für die Sammlung der Citibank in New York tätig und warst einer der ganz wenigen Menschen, die die Kunstwelt so definiert haben, wie sie heute ist. Deine beeindruckende und kreative Karriere kann kaum von jemandem in der Kunstwelt nachgeahmt werden. Dein außergewöhnlich guter Geschmack, deine klare Vision für neue Künstler, deine ungewöhnlichen Ideen für Ausstellungen, dein großartiges Netzwerk und die Entschlossenheit, Kunst 24 Stunden am Tag zu leben und zu atmen, sind Teil deines erstaunlichen Erfolgs auf einem Niveau, das unerreichbar ist. Vor einigen Jahren hast du mich nach LA ins Museum of Contemporary Art (MOCA) eingeladen, um ein Symposium über den kalifornischen Künstler Bruce Conner zu organisieren, den ich zuvor in der Kunsthalle Wien und Zürich ausgestellt habe. Heute befindet sich der Kunstmarkt aufgrund der gegenwärtigen Gesundheitskrise in einer etwas anderen Situation. Angesichts deiner langjährigen Erfahrung in der Kunstwelt frage ich dich, was hat sich für dich seit März 2020 verändert?
JEFFREY DEITCH: Viele von uns in der Kunstwelt haben in einer Blase gelebt, unser Berufsleben war von Ausstellungseröffnungen, Kunstmessen, geschäftlichem Druck und den sozialen Verpflichtungen der zeitgenössischen Kunstwelt geprägt. Der Ausbruch der Pandemie und die Intensität der Proteste gegen Rassengerechtigkeit haben die Kunstwelt in die reale Welt katapultiert. Es fand eine einschneidende Abrechnung unter Künstler*innen und Kunstfachleuten statt – im Zuge derer die Bedeutung und die sozialen Auswirkungen unserer Arbeit und der Status unserer Institutionen in Frage gestellt wurden. Trotz der Quarantäne und der Schließung von Museen, Galerien und Treffpunkten der Kunstwelt habe ich festgestellt, dass die Kommunikation und das Gemeinschaftsgefühl tatsächlich zugenommen haben. Ich habe mit Kollegen telefoniert, mich über FaceTime oder Zoom verbunden, lange Gespräche mit Leuten geführt, mit denen ich vorher nur Small Talk bei Kunstveranstaltungen praktiziert habe. In Los Angeles habe ich an einem Projekt zur Gründung einer Online-Galerieplattform und eines Galerienverbands teilgenommen. Es hat sich definitiv gelohnt, auf den laufenden Diskurs mit Kollegen über Galerie-Themen und Gemeinschaftsinitiativen aufzubauen.
Dein Fachwissen umschließt alle Teilbereiche der Kunstwelt. Du bist Kunsthändler, ehemaliger Museumsdirektor, ehemaliger Experte für Sotheby’s, Schriftsteller, Verleger, Berater und noch mehr. Nach dem, was ich beobachte, sind die Rollen des Galeristen und desKurators deine kreativsten. Du bist jemand, der die Kunstwelt prägt, der neue junge Künstler*innen entdeckt, ältere Künstler*innen wiederentdeckt und mit der Spitze von Künstler*innen wie Jeff Koons, Ai Wei Wei, Barbara Kruger, Kehinde Wiley, Keith Haring, Urs Fischer und vielen anderen zusammenarbeitet. Kannst du mir sagen, wie sich deine Arbeit und deine Auswahlkriterien als Galerist von denen eines Museumsdirektors unterscheiden? Wie wird eine Galerie im Vergleich zu einem Museum auch nach dieser Krise erfolgreich weiterarbeiten können? Was müssen Galerien und Museen tun, um diese schwere Zeit zu überleben und mit einem viel kleineren Publikum zurechtzukommen?
Ich werde oft gefragt, wie ich vielversprechende junge Künstler find und wie ich Programmentscheidungen treffe. Dieser Prozess hat sich mit zunehmendem Alter weiterentwickelt, ist aber im Grunde immer noch derselbe wie zu Beginn meiner Karriere in den frühen 1970er Jahren. Ich suche nicht nur nach individuellen Talenten: Ich suche nach Kreisen künstlerischer Energie. Die interessantesten Künstler tauchen nicht isoliert auf, sondern als Teilnehmer in dynamischen Gemeinschaften von Schriftstellern, Musikern, Galeristen, Sammlern und anderen Künstlern. Ich hatte das Glück, mich im Laufe der Jahre in mehreren dieser Künstlerkreise wiederzufinden oder Teil von ihnen zu werden. Bei meinem ersten Galeriejob 1974 in der John Weber Gallery in SoHo hatte ich das Glück – da ich mich in der Kunstwelt noch nicht auskannte – mich im Epizentrum der Gemeinschaft von Künstlern, die den Konzeptualismus und die anderen Avantgarde-Bewegungen der damaligen Zeit prägten, zu befinden. Dann fing ich an, auszugehen, um die neuen Punk- und New-Wave-Bands im CBGB zu hören, und traf die Künstler, Schriftsteller und Filmemacher dieser Szene. Einige Jahre später kam ich in Kontakt mit den Wild-Style-Graffiti-Autoren und den außergewöhnlich kreativen Menschen, die mit dieser Gemeinschaft verbunden waren. Ich bin auch heute noch mit diesen Künstlern verbunden. In den besten Jahren von Deitch Projects konnten wir um die Galerie herum eine dynamische kreative Gemeinschaft aufbauen, die uns zu einem Engagement mit bemerkenswerten Künstlern führte, die zu uns kamen und mit uns arbeiten wollten. Ich musste nicht auf die Suche nach künstlerischer Energie gehen – wir haben sie selbst erzeugt. Jetzt suche ich immer noch nach diesen Kreisen künstlerischer Energie, aber da ich fast fünfzig Jahre älter als die aufstrebenden Künstler bin, verlasse ich mich zunehmend auf talentierte jüngere Leute in meiner Galerie und in meinem Künstlerkreis, die mich leiten. Auch wenn ich nicht mehr um 5 Uhr morgens auf dem Bürgersteig vor einem Club herumhänge und organisch mit Künstlern zusammenkomme, habe ich festgestellt, dass meine gesammelte Erfahrung mit kreativen Menschen mir einen noch schärferen Instinkt für künstlerische Innovation und Qualität gegeben hat. Eine Beobachtung ist nach wie vor von größter Bedeutung: Echte Innovationen in der bildenden Kunst haben fast immer Parallelen in anderen kreativen Bereichen; Musik, Film, Literatur und Mode. Ich suche immer noch nach den großen ästhetischen Trends.
Was die Art und Weise betrifft, wie Museen und Galerien während der Pandemie und nach der Pandemie arbeiten werden, und nachdem ich ihre Rolle im Kontext der sozialen Gerechtigkeit neu untersucht habe, denke ich, dass sich ihr Profil ausweiten und nicht schmälern wird. Das Online-Publikum, das sich während der Pandemie entwickelt hat, wird weiter wachsen, da die Kunstwelt kreativere und ansprechendere Wege findet, online zu kommunizieren. Die Museen und Galerien, die in der Lage sind, ihre Online-Initiativen zu entwickeln, werden in der Lage sein, ihr Programm zu verbessern und ihr Publikum zu erweitern. Die Galerien und Museen, die die Online-Kommunikation beherrschen, werden ein aktives und engagiertes globales Publikum aufbauen. Kunstinstitutionen werden sich hoffentlich auch stärker in ihren lokalen Gemeinschaften engagieren und ihr Engagement über das konventionelle Kunstpublikum hinaus ausweiten.
Ich erinnere mich, dass in deiner ersten Galerie in New York, Deitch Projects, die Leute um mehrere Blocks in SoHo Schlange standen, um in deinen Ausstellungsraum zu gelangen. Würdest du dies gerne noch einmal erleben, oder siehst du neue Wege, um das Publikum in die Galerie zu locken?
Es war zweifelsohne aufregend zu sehen, wie die Leute um den Block Schlange standen, um in die Galerie zu kommen, und manchmal die ganze Straße versperrten. Wir haben eine einzigartige Energie um Deitch Projects herum geschaffen, die viel mit der kreativen Gemeinschaft in New York zu der Zeit zu tun hatte, als sich die neue Kunst, Musik und Mode begegneten. Eine großartige Ausstellung eines bahnbrechenden jungen Künstlers wird immer noch ein großes, begeistertes Publikum in New York anziehen können. Die Situation in Los Angeles ist hingegen anders. So viele Künstler und Kreative sind in den letzten Jahren nach LA gezogen, aber es gibt viel weniger Strukturen als in New York, die etwas Verbindendes schaffen. Vor der Pandemie kamen zweitausend oder mehr Menschen zu unseren Ausstellungseröffnungen in Los Angeles. Ausstellungseröffnungen sind eine Plattform für Künstler, die überall in der Stadt leben, um einander zu treffen. Es ist großartig, eine lebhafte Menschenmenge bei einer Ausstellungseröffnung zu sehen, aber jetzt bin ich mehr daran interessiert, eine
sinnvolle Ausstellung zu präsentieren, als ein riesiges Eröffnungspublikum zu empfangen. Im Gegensatz zu einigen anderen Galeristen, die sich auf die Kunst-Insider konzentrieren, wollte ich schon immer mit einem größeren Publikum in Kontakt treten. Kunst soll ein breites Publikum ansprechen wie die beste progressive Popmusik. Wenn wir alle wieder zirkulieren dürfen, freue ich mich darauf, im Außenbereich neben unserer LA-Galerie Performances und Talks zu veranstalten, um ein Publikum aufzubauen. Wir planen auch öffentliche Veranstaltungen. Ich würde gerne meine New Yorker Kunstparade nach Los Angeles bringen.
Du hast mit vielen Kunstsammler*innen weltweit zusammengearbeitet, die dir dafür danken können, dass du ihre Sammlung über einen langen Zeitraum aufgebaut hast. Findest du, dass es viele neue Sammler gibt, die deine kuratorische Expertise benötigen werden, und welchen Rat würdest du ihnen heute geben? Ist die nächste Generation von Sammlern so ernsthaft wie die Sammler in den 80er und 90er Jahren? Sammelt diese Generation auch auf intellektueller Ebene oder kauft sie einfach Kunst?
Große Kunstsammler sind fast so selten wie große Künstler und Kuratoren. Ich habe nichts gegen Leute, die Kunst als Dekoration, als Statussymbol oder als Investition sammeln, aber was mich als Kunstberater und Galerist wirklich motiviert, ist, diese besonderen Menschen zu finden, die das Sammeln als künstlerisches Projekt begreifen und ihre Sammlungen mit der Öffentlichkeit teilen wollen. Ich hatte das Glück, im Laufe der Jahre mit mehreren außergewöhnlichen Kunstmäzenen zusammenzuarbeiten. Jetzt berate ich einige inspirierte neue, öffentlichkeitswirksame Sammler und arbeite weiterhin mit Sammlern zusammen, deren Beziehung vierzig Jahre zurückreicht. Es gibt eine neue Kohorte von „Spekulanten“, wie Kenny Schachter sie nennt, aber Marktabschwünge neigen dazu, ihre Reihen zu verkleinern. Ich versuche sie zu vermeiden und mich darauf zu konzentrieren, Beziehungen zu Sammlern aufzubauen, die einen künstlerischen und öffentlichen Auftrag haben.
Du betreibst derzeit Galerieräume in New York und Los Angeles. In New York hast du zwei Ausstellungsräume, und in LA hat der renommierte Architekt Frank Gehry einen 1.400 Quadratmeter großen Galerieraum für dich gebaut. Inwiefern unterscheiden sich der Kunstmarkt und das Galerieleben in LA und NY? Wie wirkt sich die Krise auf deine Arbeit in New York und in LA aus, was die Eröffnungen, die Ausstellungsplanung, die Größe des Publikums und die Verkäufe angeht?
New York und Los Angeles haben beide bemerkenswerte Kunst-Communities. Diese Gemeinschaften überschneiden sich zunehmend. Vor der Pandemie gab es häufige Reisen zwischen den Städten, und viele New Yorker Künstler sind für längere Aufenthalte nach Los Angeles gekommen. Ich finde es sehr bereichernd, Teil beider Gemeinschaften zu sein. Die Kunstszene von Los Angeles scheint jetzt lebhafter zu sein, aber New York hat wahrscheinlich mehr bedeutende Künstler. Während der Pandemie ist Los Angeles lebendiger, weil die meisten Künstler hier geblieben sind und nicht wie viele New Yorker Künstler ins Hinterland oder nach Long Island gegangen sind. Ich bin jetzt in Los Angeles, heiße Besucher in meiner Galerie willkommen und mache jede Woche mehrere Atelierbesuche. In Los Angeles ziehen wir jetzt mehr ein Crossover- Publikum in die Galerie, mit Besuchern aus Film‑, Musik- und Modekreisen sowie Kunst-Insidern.
Kürzlich hast du zusammen mit anderen Galerien die GALA gegründet, einen Galerienverband von Los Angeles, der eine Online-Plattform mit Online-Viewing rooms, redaktionellen Inhalten und Informationen über Galerien in Los Angeles ist. Glaubst du, dass der Online-Verkauf und die Präsentation von Kunst im Internet die Zukunft einer interaktiveren Kunstwelt sein wird? Was sind die Vor- und Nachteile davon? Ist es nicht wichtig, dass die Betrachter ein Kunstwerk mit eigenen Augen sehen, bevor sie es kaufen oder darüber schreiben?
Online-Programme werden bereits jetzt unverzichtbar und ergänzen das persönliche Kunsterlebnis. Für das lokale Publikum bietet die Online-Präsentation Hintergrundinformationen über die Ausstellung und dient hoffentlich auch als Anreiz, die Kunst persönlich zu sehen. Das Online-Programm ermöglicht es der Galerie auch, das große internationale Publikum zu erreichen, das die Galerie vielleicht nur einmal im Jahr oder gar nicht besucht. Für Galerien wird es Routine werden, sowohl virtuelle als auch reelle Programme zu haben. Einige Kunstwerke funktionieren online genauso gut wie persönlich, aber nichts ist mit der persönlichen Erfahrung eines Kunstobjekts vergleichbar. Dies wird niemals abnehmen, so wie aufgenommene Musik wahrscheinlich den Wunsch verstärkt hat, Live-Musik zu erleben.
Apropos Kunst im Original betrachten: Besuchst du immer noch Künstlerateliers oder verbindest du dich jetzt online mit den Künstler*innen? Ich weiß, wie wichtig es für dich ist, mit Menschen in Kontakt zu treten und sie mit der Kunst in Verbindung zu bringen. Wie groß ist dieses Hindernis jetzt in dieser neuen Zeit?
In den vergangenen zwei Wochen habe ich die Ateliers von Mr. Wash in Compton, Sayre Gomez, Mario Ayala und Celeste Dupuy-Spencer in Industriegebieten in der Nähe der Innenstadt von LA und Jonas Wood in der Nähe des kleinen El Salvador besucht. Ich traf mich auch mit Urs Fischer zu einem Abendessen unter freiem Himmel auf seinem wunderbaren Gelände in der Nähe des Elysian Parks. Ich freue mich auf Atelierbesuche mit Künstlern, die an der bevorstehenden Ausstellung teilnehmen werden, die meine Galerieleiterin Melahn Frierson zusammen mit A. J. Girard organisiert. Wir tragen Masken und halten uns an die Abstandsregeln, sind aber dennoch in der Lage, anregende Gespräche zu führen. Wir haben in LA den Vorteil, dass wir uns in unseren Autos fortbewegen können – während der Pandemie habe ich es vermieden, öffentliche Verkehrsmittel zu benutzen und mit Taxis zu fahren.
Jeffrey, du hast auch mit allen großen Auktionshäusern zusammengearbeitet, dort Kunst gekauft, sie beraten und sie mit Sammlern vernetzt. Wie siehst du die Zukunft der Kunstauktionen aus der Perspektive des Käufers und des Verkäufers? Welchen Rat würdest du den Auktionshäusern jetzt geben?
Die Auktionen werden zunehmend sowohl online als auch live umgesetzt werden. Ich erwarte, dass die Online-Technologie immer interessanter wird. Noch ist diese eher primitiv. Die interessanteste Neuerung in der Zeit der Pandemie war Loic Gouzers Fair Warning. Was sie so erfolgreich macht, ist, dass sie fokussiert und kuratiert ist. Die Auktionsangebote waren überwältigend, und die meisten Sammler konnten sich nicht konzentrieren, wenn in jeder Runde ein drei Fuß (fast 1 Meter) hoher Stapel von Auktionskatalogen eintraf. Live-Auktionen waren in den 1980er Jahren sehr aufregend, als fast alle Käufer im Saal saßen. Sie wurden langweilig, da die meisten Gebote irgendwann ohnehin am Telefon abgegeben wurden. Ein Online-Live-Hybrid könnte den Prozess spannender machen, wenn die Auktionshäuser die Technologie auf die nächste Stufe heben.
In deinem neuen Raum in Los Angeles präsentierst du sehr große Kunstinstallationen wie das über 600 Stühle umfassende Projekt „Zodiac, von Ai Wei Wei, oder deine jüngste Skulpturenausstellung, „People“. Du hast nun das seltene Privileg, deine eigenen Ausstellungen zu kuratieren und Installationen zu platzieren, was normalerweise in diesem Umfang nur Museen können. In gewisser Weise hast du jetzt alles: die kuratorische Auswahl, die Möglichkeit, seltene Installationen zu präsentieren, niemandem für deine Auswahl Rechenschaft ablegen zu müssen und durch den Verkauf von Kunst Geld zu verdienen. Gibt es noch etwas, das du gerne tun würdest, um dein Leben noch mehr zu erfüllen?
Ich muss mir die Zeit nehmen, um zu schreiben. Ich werde ständig gefragt, wann ich meine Memoiren publizieren werde. Ich habe das große Glück, fast fünfzig Jahre lang im Zentrum des Kunstdiskurses gestanden zu haben. Ich habe einige gute Geschichten zu erzählen.
Wie entwickelst du in deinem Kopf Ideen über zukünftige Programme? Nimmst du deine Ideen aus externen Erfahrungen, zum Beispiel aus Kenntnissen der Kunstgeschichte, Atelierbesuchen, politischen Reflexionen, oder kommt deine kreative Vision von Innen und du handelst dann danach? Wie wichtig ist dir der intellektuelle Rahmen für die Kunst?
Es gibt Zeiten, in denen Künstler und Kritiker einen engen, selbstdefinierenden Kunstbegriff haben. Ich habe immer einen weiter gefassten Blickwinkel eingenommen und mich mit Kunst verbunden, die gesellschaftliche Tendenzen und parallele Entwicklungen in anderen kreativen Bereichen widerspiegelt. Um die Richtung der zeitgenössischen Kunst besser zu verstehen, versuche ich, die innovativste zeitgenössische Literatur, Musik und Film zu verfolgen und mit der Popkultur Schritt zu halten. Einer der Faktoren, den ich an der Kunst anziehend finde, ist die Art und Weise, wie sie auf ihre Geschichte aufbaut. Ich habe mich dafür interessiert, wie eine Reihe zeitgenössischer Künstler die Zeit „zum Einsturz bringen”, indem sie historische und zeitgenössische Referenzen miteinander verbinden. Ich suche immer nach einer intellektuellen oder konzeptuellen Struktur in einem Kunstwerk. Sol LeWitt hat mir eine großartige Lektion in Sachen Kunstkennerschaft erteilt, als ich als naiver 21-Jähriger meine Begeisterung für die Malerei mit bravourösem Pinselstrich eines Künstlers zum Ausdruck brachte, der, der John Weber Gallery beigetreten war. „Nur Oberfläche, keine Struktur”, kommentierte LeWitt abweisend. Seitdem suche ich immer nach dem intellektuellen und konzeptuellen Rahmen. Ohne tiefe intellektuelle Inhalte, die abstrakt sein können, und nicht etwas, das verbal artikuliert werden muss, kann ein Kunstwerk keine Größe anstreben.
In einem Interview für den Dokumentarfilm ‚Jeffrey Deitch’s Los Angeles‘ von Artbound hast du die Kunst von Wien 1900 als die Ära der Moderne in der Kunst bezeichnet. Da ich derzeit in Wien lebe und zuvor eine große Museumsausstellung von Wien 1900 in der Fondation Beyeler bei Basel kuratiert habe, könnten wir da nicht die Verbindung zwischen Wien 1900 und Los Angeles 2020 in Kunst, Stil, Zeitrahmen und Dynamik herstellen? Wien war auf der einen Seite eine sehr reiche Stadt mit gebildeten, wohlhabenden Menschen und auf der anderen Seite sehr rassistisch und mitten im Ersten Weltkrieg. Die Künstler mussten unter schwierigen Bedingungen arbeiten und waren arm. Los Angeles ist eine viel reichere Stadt mit vielen Möglichkeiten, doch aufgrund der aktuellen Politik werden die Menschen immer noch diskriminiert, sie demonstrieren, und das Sozialsystem versagt. Brauchen Künstler irgendwie die soziopolitische Konfrontation in der Welt, in der sie leben, um Kunst zu schaffen, und erzeugen Chaos und Aufruhr mehr Adrenalin, um kreativ und produktiv zu sein? Wie würde Kunst aussehen, wenn wir alle in einer vollkommen glücklichen Wunderwelt leben würden?
Die großen emigrierten Filmemacher, Komponisten, Architekten und Schriftsteller, die von Wien nach Los Angeles kamen, schufen eine dauerhafte Verbindung zwischen den Städten. Wie Paris in der Frühen Neuzeit und New York in der Mitte bis zum Ende des 20. Jahrhunderts, so sind Wien und Los Angeles heute lebendige Städte mit einer komplexen und vielfältigen sozialen Struktur. Ja, wir haben gesehen, dass künstlerische Innovation in Städten entsteht, in denen Menschen mit unterschiedlichem Hintergrund und wirtschaftlichem Status zusammenkommen, und nicht in Städten mit einer starren sozialen Struktur. Los Angeles könnte heute die große multikulturelle Stadt der Welt sein.
Darf ich dich nach Wien einladen, um die Kunstszene hier kennen zu lernen und Kontakte für Künstler in Los Angeles zu knüpfen? Die Liste der berühmten Österreicher in Los Angeles geht zurück auf Josef von Sternberg, Erich von Strohheim, Richard Neutra, Billy Wilder, Hedy Lamarr, Fritz Lang, Fred Zinnemann, Wolfgang Puck und Arnold Schwarzenegger, um nur einige zu nennen.
Ich freue mich darauf, wieder reisen zu können, insbesondere nach Wien, einer Stadt, die mir so viel künstlerische und intellektuelle Inspiration gegeben hat.
Jeffrey Deitch blickt sehr optimistisch in die Zukunft und ist der Meinung, dass die gegenwärtige Krise vorüberziehen wird und im Kunstbereich zukünftig noch intensiver gearbeitet werden kann. Der Galerist und Kurator beendet unser Gespräch mit dem Satz:
„Art is an optimistic enterprise. Artists work for the future.“
Über Jeffrey Deitch: Er ist ein amerikanischer Galerist, Kunsthändler und Kurator. Er gründete seine Galerie Deitch Projects (1996–2010) in New York und kuratierte bahnbrechende Ausstellungen wie Lives (1975) und Post Human (1992) in privaten Museen. Deitch war von 2010 bis 2013 Direktor des Museum of Contemporary Art, Los Angeles (MOCA). Derzeit besitzt er die Jeffrey Deitch Gallery, eine Galerie mit Standorten in New York und Los Angeles. Im Laufe seiner Karriere mit Stationen in der John Weber Gallery in SoHo, in der Kunstfinanzabteilung der Citibank und als erfolgreicher Privathändler und Kunstberater, hat sich Deitch eine einzigartige Position in der Kunstwelt geschaffen, die es versteht, das kuratorische Profil mit der geschäftlichen Seite der Kunst zu verbinden.
