Ein Gespräch mit Jonathan Schipper
Wenn ein „cozy-looking“, „old-fashioned“ Wohnzimmer innerhalb eines Monats in sich zusammengezogen wird, um wie in einem Loch zu verschwinden oder gar ein ganzes Großraumbüro, dann handelt es sich um die Konzept-Kunst des amerikanischen Künstlers Jonathan Schipper. Seiner Ansicht nach ist das statische Objekt auf molekularer Ebene immer in Bewegung: „Nichts ist wirklich statisch. Ein statisches Universum ist ein totes Universum. Im Leben und in der Kunst geht es um Veränderung. Ohne Zerstörung gibt es kein Leben.“ In seinen Installationen geht es genau darum: um Zerstörung und Schöpfung. Seine Arbeiten haben im Allgemeinen keinen statischen Punkt. Der Prozess der ständigen Veränderung, das ist der Punkt. Für diese zeitbasierten kinetischen Installationen passt Schipper beispielsweise mechanische Winden so an, dass sie mit ungewöhnlich langsamer Geschwindigkeit laufen. Diese Winden, die üblicherweise in Abschleppwagen, Aufzügen, Kränen und Booten eingesetzt werden, dienen zum Einziehen oder Auslassen von Kabeln, um schwere Gewichte zu bewegen oder aufzuhängen. Um den „Slow Inevitable Death of American Muscle“ (2008) zu schaffen, modifizierte Schipper eine solche Vorrichtung und ließ zwei Pontiac Firebirds in voller Größe und in Zeitlupe ineinander „crashen“, um die Kraft eines Frontalzusammenstoßes von 30 Meilen pro Stunde zu simulieren, der sich über mehrere Tage verzögert entfaltet.
Jonathan Schipper wurde 1973 in Chico, Kalifornien, geboren. Er studierte Bildhauerei am San Francisco Art Institute und an der Rinehart School of Sculpture am Maryland Institute College of Art. 2001 erhielt er ein Stipendium der Skowhegan School of Painting and Sculpture, Maine. Schippers spektakuläre Ausstellungsprojekte erregen sowohl in den USA als auch in Europa immer wieder große Aufmerksamkeit und sorgen für Begeisterung, weil sie zum Hinterfragen unserer Wahrnehmung anregen, gerade auch was die Wahrnehmung von Bewegung und Geschwindigkeit betrifft.
Der Künstler nimmt die Vergänglichkeit der Existenz an und lehnt das Heilige ab. Seiner Meinung nach sollte Kunst eine Erfahrung sein, kein Eigentum. Mit seiner interaktiven Performance „Million Dollar Walk“ griff er dieses Thema während der Armory Show auf. Es wurde ein Aktenkoffer, gefüllt mit einer Million Dollar, zur Verfügung gestellt. Die Gäst*innen der Armory Show durften sich das Geld ausleihen und 10 Minuten lang durch die Show laufen und sich wie Millionär*innen fühlen. Die Teilnehmer*innen mussten ein Check-out-Formular unterschreiben und ihren Fingerabdruck und Ausweis hinterlassen. Kunst wird in den Augen Schippers zunehmend mit Vermögen und Reichtum verbunden. Gerade Kunstmessen sind ein beliebter Treffpunkt für Geld und Kunst. Die Armory Show und die teilnehmenden Galerien richten sich an wohlhabende Sammler*innen. Die durchschnittlichen Kunstbetrachter*innen werden eingeladen, zur Ausstellung zu kommen, fühlen sich aber oft zweitrangig. Jonathan Schipper machte also den*die durchschnittliche*n Betrachter*in zu einem*einer Millionär*in.
Viele seiner Ideen finden ihren Ursprung in den Medien, aber das Werk ist physisch, lebendig und nicht reproduzierbar. Jonathans Werk ist sowohl konzeptuell als auch sehr zugänglich und setzt sich intensiv mit Fragen der Wahrnehmung, des Lebens und der Zerstörung auseinander, die eine*n Fünfjährige*n ebenso sehr beschäftigen wie den*die erfahrene*n Kunstbetrachter*in. Wir haben den Künstler in seinem Atelier in Brooklyn, New York, erreicht und sind für die Ausgabe Highspeed in einen spannenden und durchaus nachdenklichen Austausch mit ihm getreten.
Jonathan, Sie sind vor allem für Ihren „Zeitlupen-Autounfall“ bekannt, was hat Sie dazu bewogen, dieses Konzept eines Kunstwerks zu schaffen?
JONATHAN SCHIPPER: Ich habe geträumt, dass ich an einer großen Gruppenausstellung beteiligt bin. Als ich die Ausstellung besuchte, sah ich mir die anderen Werke an und musste mit Bedauern feststellen, dass mein Werk bei weitem das uninteressanteste Objekt der Ausstellung war. Als ich erwachte, begleiteten mich der Stress und die Angst, bis ich erkannte, dass alle Stücke in der Ausstellung tatsächlich von mir waren. Mein Favorit war der Zeitlupen-Autounfall und ich begann am nächsten Tag mit dem Bau der Modelle.
Bei Ihrem Kunstwerk geht es mehr um das Erleben als nur um das Betrachten. Woher bekommen Sie das technologische Wissen für Ihr Kunstwerk?
JONATHAN SCHIPPER: Mein technologisches Wissen stammt aus Misserfolgen und Unerfahrenheit. Wenn ich eine formale Ausbildung hätte, wüsste ich es besser, als zu versuchen, viele der Dinge zu tun, die ich getan habe. Jeder Fehler hat meine Fähigkeiten langsam erweitert.
Gibt es Einflüsse, die Ihre Arbeit prägen und wie oder wo recherchieren Sie, um Ihre Konzepte zu entwickeln?
JONATHAN SCHIPPER: Ich denke, die meisten meiner Einflüsse kommen aus meiner Umgebung und meinem Umfeld. Viele Künstler*innen lassen sich von der Kunstgeschichte usw. inspirieren. Ich war noch nie so ein Typ. Ich finde den größten Teil meiner Inspiration in meiner unmittelbaren Umgebung mit einem Schuss Richard Feynman.
Wenn die Dinge schnell gehen, fällt es unserem Verstand schwer, Nuancen zu unterscheiden und Details zu erkennen. Indem wir die Dinge verlangsamen, haben wir mehr Zeit, um die Wechselbeziehungen und Mechanismen zu verstehen, die Bewegung, Veränderung und Bedeutung steuern.
Jonathan Schipper
Sie beschäftigen sich mit Dekonstruktion. War dies schon immer der Fall oder gab es eine besondere Erfahrung oder einen besonderen Auslöser dafür?
JONATHAN SCHIPPER: Wenn Sie Dinge herstellen, insbesondere Dinge, die sich bewegen oder selbstgemachte Elektronik beinhalten, sind Dekonstruktion, Pannen und manchmal ein wenig Blut tägliche Ereignisse. Ich fand heraus, dass ich, indem ich den natürlichen Verlauf des Zusammenbruchs aller komplexen Systeme annahm, in der Lage war, Frustration in ein Kunstwerk zu verwandeln.
Das Thema dieser Magazinausgabe ist HIGHSPEED. Welche Bedeutung haben Zeit und Geschwindigkeit für Sie?
JONATHAN SCHIPPER: So viel von dem, was wir Geschwindigkeit nennen, ist Wahrnehmung. Die Dinge scheinen sich langsam und schnell zu bewegen, abhängig von der Fähigkeit des Betrachters*der Betrachterin, die eingehenden Daten zu erfassen. Was für das Faultier schnell ist, kann für die Fliege langsam sein. Computer und Kameras können Hunderte oder Tausende von Bildern pro Sekunde sehen, während alles, was über 60 Bilder hinausgeht, für die menschliche Wahrnehmung verloren geht. Wenn die Dinge schnell gehen, fällt es unserem Verstand schwer, Nuancen zu unterscheiden und Details zu erkennen. Indem wir die Dinge verlangsamen, haben wir mehr Zeit, um die Wechselbeziehungen und Mechanismen zu verstehen, die Bewegung, Veränderung und Bedeutung steuern. Ich finde in letzter Zeit viel Selbstreflexion in den Menschen um mich herum aufgrund der allgemeinen globalen Betäubung. Was genau haben wir so eilig zu erreichen? Ein größerer Fernseher, ein schnellerer Computer, Auto, Haus?
Könnten Sie uns bitte eine kurze Erklärung zum Konzept der folgenden Werke geben, die wir in unserer Recherche als sehr ansprechend empfunden haben: „Measuring Angst“ und „At Any Given Moment“.
JONATHAN SCHIPPER: „Measuring Angst“ soll ein Gleichgewicht zwischen dem Akt der Zerstörung (d. h. dem Zerschlagen der Bierflasche an der Wand) und den Akten der Selbsterfahrung und Selbstanalyse und ‑gestaltung (d. h. der mechanischen Simulation) herstellen. Es ist leicht, sich eine Welt ohne Angst, ohne Tod und Zerstörung vorzustellen, aber sich eine solche Welt vorzustellen, bedeutet auch, sich den wahren Tod vorzustellen. Essen, bauen, leben … alles beinhaltet ein wenig Zerstörung … ein Gleichgewicht zwischen Mitteln, Verlangen und Gegenständen. Die Beziehung ist nicht einfach. Ich will schlechtes Benehmen nicht entschuldigen, aber ohne schlechtes Benehmen wäre es scheißlangweilig, und ich bin mir nicht sicher, ob ein Leben möglich wäre.
Bei „At Any Given Moment“ geht es darum, wie wir uns als Objekte, als Tiere, als Dinge sehen und nicht sehen. Es gibt heute acht Milliarden Menschen auf dem Planeten. Das ist so eine unglaubliche Zahl. Ich glaube nicht, dass sich unser Verstand eine so große Summe vorstellen kann. Ich wollte diese Nummer visualisieren. Ich habe überlegt, acht Milliarden Figuren auf einem Stapel zu machen, aber das ist einfach nicht möglich. Ich fand Sex interessant, da geschätzt wird, dass zu jedem Zeitpunkt etwa 450.000 Menschen Sex haben und Sex für unsere Existenz verantwortlich ist. Das Stück ist ein Versuch, eine Skulptur all dieser 450.000 Menschen zu machen, die Sex an einem Ort haben.
Egal wo Ihre Skulpturen ausgestellt sind, sie überraschen die Menschen. Das haben wir zum Beispiel auf der Art Basel selbst erlebt. Wir begannen uns zu fragen, ob das, was wir wahrnehmen, tatsächlich hier passiert. Die Tatsache, dass Sie der Bewegung diesen „langsamen Modus“ geben, schafft eine surreale Erfahrung, aber gleichzeitig erlauben Sie dem*der Betrachter*in eine viel tiefere Wahrnehmung. Wie erleben Sie diesen Zusammenhang zwischen Geschwindigkeit und Wahrnehmung?
JONATHAN SCHIPPER: Ein Autounfall passiert in Sekundenbruchteilen … unser Leben steht oft auf dem Spiel, Adrenalin prägt unsere Wahrnehmung. Damit unser Geist schnell reagieren kann, müssen wir die meisten Informationen ignorieren und uns auf die Überlebenspfade konzentrieren. Die feineren Punkte der Textur des Sicherheitsgurtes, die sich auf unserer Haut bewegen, können zusammen mit endlosen Details des Unfalls verloren gehen. Indem wir die Zeit verlängern und die Gefahr beseitigen, können wir alle Details sehen, die normalerweise verloren gehen. Die Schönheit des Pressens des Metalls. Symbiotische Beziehung zwischen Metall-Ego und Stahl.
Gibt oder gab es aus künstlerischer Sicht andere Künstler*innen als Vorbilder für Sie – wir denken hier zum Beispiel an Jean Tinguely?
JONATHAN SCHIPPER: Jean Tinguely ist sicherlich ein Held, ebenso wie Chris Burden und Marina Abramovic. Der größte Teil meiner künstlerischen Inspiration kommt jedoch von Menschen, die ich kenne und mit denen ich interagiere … Menschen wie Jenifer und Kevin McCoy, Jen Catron und Paul Outlaw, Greg Hopkins, Amelia Biewald, Andrew Ohanesian, Tim Laursen, Kitty Joe Ste-Marie, Victor Webster, Louie Hinnen, Keith Sirchio, Ghost of Dream und so viele andere. Ich glaube, ein*e Künstler*in, mit dem*der man sich unterhalten und mit dem*der man etwas trinken kann, ist zehnmal mehr wert, als eine*r, den*die man in einem Kunstgeschichtsbuch zitiert.
In Ihren Arbeiten verschwimmen die Grenzen zwischen Kunst und Wissenschaft. Wir sind uns derzeit sehr bewusst, dass der wissenschaftliche Ansatz und die Integration neuer Technologien in der Kunst immer wichtiger werden. Wie würden Sie Ihre Vision in dieser Hinsicht beschreiben? Was können Kunst und Wissenschaft gemeinsam motivieren?
JONATHAN SCHIPPER: Wissenschaft ist eine Methode, das Unbekannte zu verstehen, um das Universum und die darin enthaltenen Dinge zu verstehen. Für mich ist Kunst auch Forschung, die Arbeiten, die ich mache, und die Ideen, die ich erforsche, sind mir nicht bekannt, bevor ich sie mache. Es ist die Tatsache, dass ich sie nicht verstehe, die sie interessant macht. So wie der*die Wissenschaftler*in ein*e Skeptiker*in sein und die wissenschaftliche Methode respektieren muss, darf auch ich nicht zulassen, dass mein Wunsch, ein gutes Kunstwerk zu machen, einem tatsächlichen Kunstwerk im Wege steht. So wie eine Idee aus Wiederholbarkeit zum wissenschaftlichen Gesetz wird, werden Dinge zur Kunst, wenn sie Menschen in die gleiche Perspektive bringen.
Wir gehen davon aus, dass diese Art von Kunst auch eine ganz bestimmte Gruppe von Sammler*innen anzieht. Wer oder, sagen wir, welche Art von Institutionen oder Persönlichkeiten gehören zu Ihrem Sammler*innenkreis?
JONATHAN SCHIPPER: Ich hatte es schwer mit Sammler*innen und Wohlstand. Kunst wird mit vermögenden Mäzen*innen und Sammler*innen verbunden, besonders in den USA, aber das interessiert mich nicht. Ich interessiere mich viel mehr für öffentliche Ausstellungen und Arbeiten, die für die Menschen bestimmt sind. Mich interessiert, was Kunst kann, nicht was sie getan hat oder was sie wert ist. Ich hatte das Glück, meine Arbeiten in öffentlichen Einrichtungen und auf Festivals zu zeigen, von denen einige natürlich von wohlhabenden Einzelpersonen oder Unternehmen unterstützt wurden. Ich bin nicht gegen Wohlstand, aber Sammlungen begeistern mich nicht.
An welchen Projekten arbeiten Sie gerade und wo werden Ihre Arbeiten in Zukunft ausgestellt?
JONATHAN SCHIPPER: Ich arbeite gerade an einigen Projekten. Ich würde gerne einen Zeitlupen-Flugzeugabsturz produzieren. Ich habe das Projekt ein paar Mal fast zum Leben erweckt, aber es ist sehr umfangreich, würde viel Unterstützung erfordern, und ich arbeite immer noch daran, den*die richtige*n Partner*in zu finden.
Ich bin auch daran interessiert, ein Multiplayer-Live-Action-Spiel zu entwickeln. Dieses Spiel funktioniert nach den Regeln eines Online-Multiplayer-Spiels. Die Leute loggen sich ein und können kleine Roboter in einem raumgroßen physischen Diorama/Ausstellungsraum steuern. Es würde ein Spiel emulieren, indem es Ziele hat und Manipulationen und Chaos zulässt, und es würde einen Museumsraum emulieren, indem es aus Miniaturskulpturen verschiedener Künstler*innen besteht. Das Ziel wäre es, diese mit Welten zu verbinden. Die Ausstellung könnte gleichzeitig persönlich und online angesehen/gespielt werden.
Diese Projekte klingen vielversprechend und passen wohl in den aktuellen Kontext. Wir freuen uns darauf, Ihr Werk weiter verfolgen zu dürfen und wünschen viel Erfolg!
Mehr Information unter: http://www.jonathanschipper.com/
