Zwischen Zauber und Rätsel
Ein Werk wie „Das goldene Tal“ von Ernesto Estévez García (Havanna, Kuba, 1967) zu betrachten, kann zu einem Akt der Sammlung oder zu einem Fest für die Seele werden; denn die Landschaften, die aus seinen Pinseln hervorgehen, haben eine sublime Fähigkeit, die Aufmerksamkeit auf sich zu ziehen – vom erfahrensten Kritiker bis zum unerfahrensten Betrachter. Tief in der Liebe zu meinem Land verwurzelt hatte ich das Glück, mich viele Male von der Schönheit unglaublicher, fast paradiesischer Orte, unter anderem in der Sierra Maestra, der Gebirgskette de los Órganos oder El Escambray gefangennehmen zu lassen; und nicht selten habe ich mich angesichts der Pracht dieser von Estévez neu erfundenen Landschaften (von denen ich weiß, dass sie bei ihm nach Lust und Laune sprießen) ganz klein gefühlt, denn er weiß – definitiv – wie man diese Kraft der Natur erfasst.
Obwohl seine Ausbildung als Maler im Wesentlichen autodidaktisch war, zeigt sich bei der Betrachtung seiner Gemälde ein ständiges Interesse am Studium der großen Meister, die ihm vorausgegangen sind, in einer Geschichte, die mehr als zweihundert Jahre zurückreicht. Die Landschaftsmalerei in Kuba hat ihren Ursprung in der Kolonialzeit, mit den Werken der – meist französischen – Illustratoren, die auf die Insel kamen und von ihrer Natur fasziniert waren: Federico Mialhe, Eduardo Laplante oder Víctor Patricio Landaluze (um nur die wichtigsten zu nennen).
Nach der Gründung der Akademie der Schönen Künste San Alejandro im Jahr 1818 durch Jean-Baptiste Vermay fasste dieses Bildgenre Fuß und fand im Laufe der Jahre in Künstlern vom Format eines Esteban Chartrand, Leopoldo Romañach, Armando Menocal, Domingo Ramos, Tiburcio Lorenzo und Esteban Valderrama meisterhafte Bewahrer. In der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts wurde dies auch von Künstlern aufgegriffen, die die so genannte kubanische bildnerische Avantgarde bildeten (wenn auch mit ihren eigenen Merkmalen), wie Víctor Manuel und Carlos Enríquez. Ab der zweiten Hälfte jedoch überschatteten und verdrängten die Einflüsse der Postmoderne und des Konzeptualismus, die in Kuba Einzug hielten, die so genannte Genremalerei und die traditionellen Herangehensweisen an diese, indem sie mit Adjektiven wie; »retinal« oder »zuckersüß« (vor allem von denen, die die Wirkung der sogenannten konzeptionellen Kunst bevorzugten) verbannt wurde. Sicher ist jedoch, dass nicht wenige kubanische Künstler trotz aller Infragestellung die Landschaftsmalerei in ihrer ganzen Pracht weiter kultivierten– und legitimierten – wie Lorenzo Linares in Camagüey, Carlos Mata in Trinidad oder der international anerkannte Tomas Sánchez, die ihren Einfluss auf spätere Landschaftsmaler wie Lester Campa, Eduardo Rivera und Ernesto Estévez selbst hinterlassen haben, um nur einige der jungen Künstler zu nennen, die die Landschaft zum Protagonisten ihrer malerischen Praxis machen.
Estévez zählt aber auch russische Landschaftsmaler wie Iwán Schischkin und Iwán Aiwasowsky zu seinen Einflüssen, auf die er – erinnert er sich – sich bezog, als verschiedene kulturelle Materialien aus der ehemaligen Sowjetunion nach Kuba kamen, sowie den Engländer Joseph M. William Turner und die amerikanische Kunstrichtung der Hudson River School (aus der Mitte des 19. Jahrhunderts). »Ich glaube« – so sagte er – »dass ich mich allen verpflichtet fühle, weil ich von allen etwas gelernt habe, da ich versucht habe, das Werk eines jeden zu studieren.«
Für Ernesto ist die optische Wahrnehmung seit seiner Geburt ein wichtiger Teil seines Lebens. Sein Vater, ein Fotograf, und seine Mutter, eine Film- und Fernsehredakteurin, waren das Tor zu einer kreativen Umgebung, in der die Welt der Bilder in den Familiengesprächen im Mittelpunkt stand und Teil des täglichen Geschehens war. Es ist daher leicht zu verstehen, dass er bereits im Alter von 18 Jahren – um 1985 herum – als Fotojournalist begann und bereits 1988 den ersten Preis in der Kategorie Farbe im Nationalen Fotosalon gewann, mit einem Werk, das aus seinen Reisen durch die Höhlen von Matanzas und Pinar del Río als Mitglied einer Gruppe junger Menschen hervorging, mit denen er Höhlenforschung praktizierte. Beide Praktiken – der Fotografie und der Höhlenforschung – führten zu seiner Wahrnehmung der königlichen Dimension der kubanischen Natur.
Gegen Ende der achtziger Jahre traf Estévez auch auf andere junge Künstler wie Leo D’Lázaro, der ihm die Grundkenntnisse zur Beherrschung der Ölpaletten vermittelte, Farben zu mischen und eine Leinwand vorzubereiten…so begann das Abenteuer der Malerei und die Fotografie hörte auf sein Ziel zu sein und wurde zu einem notwendigen Werkzeug, das ihm ermöglichte, Hunderte von Bildern anzusammeln, die ihm beim Komponieren und Strukturieren eines Bildes den Austausch von Elementen im kreativen Prozess ermöglichten.
In einem Interview mit María Grant, Chefredakteurin der Zeitschrift Opus Habana, sagte Estévez García: Durch die Malerei konnte ich die Natur nicht nur betrachten, sondern sie offenbarte sich mir und es war mein Wunsch, meine Perspektive und Vision bekannt zu machen, so dass der Betrachter die gleichen Emotionen empfinden kann wie ich, wenn ich vor dieser Landschaft stehe. Das war etwas, was ich mit der einfachen Fotografie nicht erreichen konnte. So hatte ich auch die Möglichkeit, zu modifizieren, mehr Gewicht auf das eine oder andere Element zu legen, indem ich sie entfernte oder hinzufügte, das Licht, die Nebel und die Farben manipulierte und den Bildern Dramatik oder Freude gab, wie ich es wollte.
Die meisten Kritiker und Spezialisten stimmen darin überein, dass das Licht die Quelle des Rätsels der Landschaften ist, die es malt; und in der Art, wie es sich den Sinnen präsentiert, bedeutet es eine ständige Provokation dieser. Wenn wir einen visuellen Rundgang durch seine Bilder machen würden, könnten wir die (fast mystische) Atmosphäre, die er erreicht, als Ansichten aus einer anderen Dimension (vielleicht der der Seele) betrachten und – mehr als auf magischen Realismus – auf die Magie seines eigenen Realismus verweisen, Frucht seiner Vorstellungskraft oder der Einflüsse einer gelebten Erfahrung. Auf jeden Fall sind seine Bilder von verführerischer Schönheit.
Es ist nicht notwendig, Stufen in seiner Schöpfung zu definieren, denn er malt einfach das, was sein Verstand uns sehen lassen möchte. In »Wanderweg in der Sierra« zum Beispiel wird die so suggestive Art des »Lichts« betrachtet, mit dem die Sonne auf den Blättern der Bäume und den Büschen der Palmen reflektiert wird, als wäre es nur ein sehr kurzer Moment, in dem die verschiedenen Texturen hervorsprießen, die durch die Verwendung der verschiedenen Tönungen und Farbbereiche erreicht werden, die in Kuba auf dem Land zu finden sind – entsprechend der dargestellten Vegetation; und in dem Volumen, das der Wirkung ihrer eigenen Schatten den Steinen auf dem Weg gegeben wird. Der Umgang mit der Perspektive und die Vielfalt der bis ins Detail durchdachten visuellen Zeichnungen sprechen für die sorgfältige Gestaltung des Bildraums, die auch in Werken wie »Escambray« vorhanden ist.
Die Nacht hat auch in den Werken von Estévez eine besondere Art, sich durch das Licht zu präsentieren. Das Labyrinth der Rätsel schafft zum Beispiel einen Vollmond, der in seiner ganzen majestätischen Art eine räumliche Spannung mit der kleinen – fast unnötigen – Laterne des Bootes eines Fischers schafft, dessen Katze vom Blick des Betrachters überrascht zu sein scheint. Das Unermessliche der Landschaft widersteht der menschlichen Präsenz, die in seinen Werken nur sehr selten vertreten ist.
Die Verwendung von Bildern, die der Fotografie oder dem Kino eigen sind, ist ein weiteres Merkmal der Werke von Estévez. Er scheint die großen allgemeinen und panoramischen Pläne zu bevorzugen, obwohl er Stücke wie der Gebirgsbach und der Fluss der Farne ausführt, in denen er näherkommt, um neue Details zu enthüllen und verschiedene Winkel desselben Ortes zu erkunden scheint.
Seine Werke spiegeln auf vielfältige Weise die Elemente der Natur wider. Jenseits von Licht, Vegetation und Wasser. Er bezieht den Wind und die Brise ein, die unsichtbar, aber in den Baumkronen spürbar sind (bis zu dem Punkt, an dem sie menschliche Gestalt anzunehmen scheinen), und dann wird alles Dargestellte entsprechend dieser Strömungen angeordnet, ein Effekt, den er durch die Art und Weise vervollständigt, wie er die Hintergründe im Kontrast zu den präzisen Pinselstrichen verwischt, um den Elementen am Boden Körper zu geben, wie in Auf dem Weg zum Sturm, wo Erde, Steine und sogar Reste von trockener und diffuser Vegetation, Wurzeln oder abgefallene Äste die Gestaltung im unteren Bereich des Stücks stützen. In Stürmische Dämmerung hingegen stellt er einen Sonnenuntergang dar, der von einem Sturm beherrscht wird, der ein einsames Bohío*(1) anzugreifen droht, das als Protagonist dieser Landschaft – kaum begleitet von einem Busch und einer königlichen Palme – widersteht, um den sich nähernden Regen zu empfangen.
Dr. Eusebio Leal Spengler, Historiker der Stadt Havanna, der ein Bewunderer der Arbeit von Ernesto Estévez war, sagte:… er versteht es, die umgebende Realität zu erfassen, um originelle und etwas andere Kunst zu schaffen… Gleichzeitig hält er die Palette, entringt ihr das magische Geheimnis der Farben und bringt sie auf die Leinwand, damit die idyllischen Landschaften unseres Landes, die durch die Anwesenheit des Menschen kaum gestört sind, in der Zeit bestehen bleiben: die malerischen Bohíos, die hochmütige Ceiba, das schwer fassbare Tal zwischen Wolken, die Bergkette, die in Klippen zum Meer hinabsteigt, die Morgendämmerung, die den Wolkenmantel auf dem geheimnisvollen und poetischen Berg zerstreut…
Reines Gefühl und Intuition werden zwischen dem Zauber, mit dem diese Landschaften faszinieren, und dem Rätsel, das sie enthalten, wahrgenommen, als ob der Künstler selbst in diese Dimension eintritt, in der er malt und wieder herauskommt, um die Details zu überprüfen und zu perfektionieren… und schließlich… ist das Resultat seiner Tätigkeit kostbar, er erfreut sich an der Schönheit fast bis zur Ekstase; vor allem aber ist er ehrlich mit seiner Einstellung zum Leben und weiß, was für den Geist notwendig ist, auch als Warnung, damit wir über das nachdenken, was wir verlieren können, wenn wir die Kraft der Natur nicht achten und respektieren. Hinter so viel ästhetischer Vollkommenheit stehen – nicht ohne Dramatik – moralische Werte und Begriffe, die mit seiner Lebensphilosophie verwandt sind: Die Natur ist nicht das Ergebnis des Zufalls, und durch dieses Denken bin ich von klein auf zu Gott gelangt. Ich versuche ein wenig, diese Präsenz in allen Elementen auszudrücken, die ich in meine Bilder einbeziehe. Mein religiöses Bekenntnis beeinflusste auch meine Vorliebe für die Landschaftsmalerei. Durch mein Werk möchte ich die göttliche Schöpfung, die in jedem Stein, Bach, Himmel, Baum ist, bekannt machen.
