Constantin Migliorini
„Highspeed – Hochgeschwindigkeit”: Die Wahrnehmung von Sinnesreizen, die über Zeit und Raum schwebt, sich bewegt und verändert. Ein Konzept, das die Philosophie auf die Existenz als Grenze, aber auch als Urheber für eine störende – und oft plötzliche – Veränderung anwendet. Die Kunst mus natürlich auf diese Wahrnehmung treffen und sich mit ihr auseinandersetzen, um zu vermitteln, wie viele dieser Gedanken des weltlichen Universums einen eigenen Rhythmus entwickeln, was jedoch immer ein epiphanisches Geheimnis bleiben wird. Geschwindigkeit drückt sich jedoch im Raum und auch in der Zeit aus, sie ermittelt den Zeitraum, wie die in den Gedichten von Peter Handke, was Constantin Migliorini wie folgt definiert: „Ich möchte trotzdem näher an die Essenz des Zeitraums heranrücken, ihn andeuten, auf die richtige Art und Weise darüber sprechen und diese Essenz vibrieren lassen, die mir jedes Mal wieder neuen Schwung verleiht.“
Wenn Peter Handke den Wunsch verfolgte, die Essenz des Zeitraums zu versachlichen, dann kreuzen sich also hier die lyrischen Inspirationen mit den Werken des toskanischen Künstlers Constantin Migliorini. Seine Bilder zeichnen sich durch eine beispielhafte Behandlung des Themas aus, als Protagonist eines Rollenspiels, der zum Element eines Prozesses wird, der über den kurzen Dialog zwischen Konstruktion und Dekonstruktion im metaphorischen Sinn und darüber hinaus ausgelöst wird. Seine Silhouetten bringen über den Ausdruck und die Grammatik der Kunst gleichzeitig den Wert der Darstellung zum Vorschein, der seit der Prähistorik die Botschaft des Menschen übermittelt. Auf diese Weise versteht man, dass Migliorini darauf abzielt, die Verbindung zwischen seiner Darstellung und der Tiefe der Psyche mit einer Mischung aus unergründlichem greifbarem Wert wiederzugeben, der in den Körpern dargestellt wird, die sich beim Übergang von der Leinwand vervielfältigen, verkleinern, verändern, und nicht nur zu einer Assemblage werden, sondern sehr viel komplexer und tiefgründig sind.
Ein Dualismus nimmt Gestalt an, der die alten Lehren übernimmt, sich jedoch über das bereits Bekannte hinauswagt. Vor dem Hintergrund der Gemälde, den ich als „intellektuell und majestätisch” zu bezeichnen wage und der mehr als nur Malerei ist, hebt sich die Geschichte der Schönheit hervor, die ihrerseits als Geschichte der Sinne, des Menschen und dessen Beziehung zurzeit darstellt. Eine Geschichte, die in dem Maße eine – philosophische und ontologische – Bedeutung hat, wie sie sich über das Leben selbst als Frucht des Lebens darstellt. Während die klassische Epoche lehrte, dass Schönheit sofort Merkmale von Maßen, Ordnung und Proportion annimmt, hat die Moderne sich von diesem Akademismus gelöst und sich selbst intuitiv davon befreit, indem sie der Figur die Rolle eines Kontinuums atavischer Archetypen, ungewöhnlicher Universen zuordnet, die genauso veraltet wie innovativ sind. Malerei bezieht sich in diesem Sinne heute auf das, was Nietzsche vorausgesagt hat, nämlich, dass Schönheit die Entdeckung einer neuen und fruchtbaren Möglichkeit des Lebens ist; hier findet man also diesen Sinn von Dauer, den elastischen Zeitraum, den auch die Vision von Constantin Migliorini vorschlägt, indem er die neue und fruchtbare Möglichkeit des Lebens entdeckt. Hier ist also das Gefühl der Ruhe, der belastbaren Dauer, das auch die Vision von Constantin Migliorini hervorbringt, indem sie dem Vergangenen treu bleibt, ohne Erinnerungen zu hinterlassen.
Die Arbeiten, die sich auf Migliorinis Studien beziehen, scheinen die Unbeweglichkeit festzuhalten während alles andere ringsum sich bewegt
Die Arbeiten, die sich auf Migliorinis Studien beziehen, scheinen die Unbeweglichkeit festzuhalten während alles andere ringsum sich bewegt; in einer Diarchie, die Seelen voller Pathos und gleichzeitiger Ekstase erzählt, in einer Fusion des Wertes der Kreation mit einer bis heute unerklärbaren kosmischen Dimension. Der Prozess des Dialogs, der durch das Gemälde auf der Leinwand beginnt, wird von einem ästhetischen Ablauf genährt und kann als Erfahrung auf der Suche nach Identität definiert werden, was nicht nur und nicht ausschließlich durch die Betitelung erklärt wird – und durch die Farbauswahl des Künstlers – sondern auch durch die Rekonstruktion über Fragmente. Diese Fragmente, die durch eine sich ständig ändernde bildliche und szenische Komposition erzeugt werden, weisen eine Wiederholung auf, die die Materie im Laufe der Zeit, in den Augenblicken und in dem Raum, den sie durchquert, formt. Die Dauer, wie sie von Calvin verstanden wird, existiert nicht an sich, man muss darauf zugehen, um sie zu finden, da sie durch eine instabile Ruhe erzeugt wird.
Constantin Migliorini hat die Pluralität der Figur gewählt, die Vielfältigkeit eines Gesangs der Form, der es gelingt, einen Kodex zu erzeugen, der die eigene Konsistenz überleben kann. Die Natur wird in ihrer Stimmigkeit zur intellektuellen Parallele in diesem vom Künstler gewählten grafischen Rätsel. Er hält das, was kaum sichtbar ist, in einer Art realen Naht fest, die die Leinwand als Linie durchquert, und in der er visionäre Vermutungen untermauert, indem er wiederholt und erinnert. Die Unvereinbarkeit von Schein und Wirklichkeit wiederholt die Unendlichkeit der Kunst selbst, die der Künstler selbst weiterführen möchte. Constantin Migliorinis Objekte stimmen in ihrer vielfältigen Präsenz ein stilles Lied an und beginnen mit einem Rhythmus, der die Erzählung ist, einen ansonsten unaussprechlichen „Atem“, jenseits der reinen Mimesis, um nach einer anderen und viel komplexeren Anerkennung zu suchen. Raum und Zeit sind daher die Auswirkungen einer Handlung, die die Stürze und Aufstiege der Seele zu planen scheint, die diese Körper zurückhalten. Das Vergängliche des Lebens, das Wesen dessen, was bleibt und sich ändert, gründet sich auf die Geste, die Behandlung der Oberfläche, die sich plötzlich durch Multiplikation definiert und den*die Betrachter*in auf eine fast unerschöpfliche Reise in die Sinne und in das Unterbewusstsein führt.
Constantin Migliorini hinterfragt die unsichtbaren Bilder der menschlichen Abgründe, des tiefen Gefühls und macht sie durch eine Überlagerung sichtbar, die über symbolträchtige Primordialismen einen gekonnten, ästhetischen und mitreißenden Prozess auslöst und sich in Nicht-Orten und einer Zeitblase weiterentwickelt. Ein schwebendes Universum, das sich jedoch von dem faszinieren lässt, was sich unvermeidlich ändert, von dem bereits Bekannten abweicht, gemäß den Bedingungen einer wirbelnden Geschwindigkeit, der des Lebens und dessen Geschichte, auftaucht und wächst. Wie die Studien des Künstlers zur Malerei und Materie zeigen, ist es in Wirklichkeit die gesamte Kunst, die die Entwicklung der Geschwindigkeit, das Wissen um das Unbekannte, dessen, was noch vor uns liegt, sowohl in der radikalen Transformation als auch in der unmerklichen Veränderung einiger, aber grundlegender Details in sich vereint. Darüber hinaus stellen Migliorinis Arbeiten eine grundlegende Beziehung zur außerbildlichen Materie her, einer kontinuierliche Suche nach etwas, das sich in der Unbeweglichkeit der Oberfläche noch nicht offenbaren kann.
Ist es nicht diese kontinuierliche Suche, diese kontinuierliche Veränderung, um die Stärke eines Schlüsselfaktors zu erzeugen, der den Wert der Geschwindigkeit und deren notwendige Koexistenz mit der Unbeweglichkeit definiert? Ist es nicht vielleicht die Mischung – und die ewige Kontroverse – zwischen Beschleunigung und Verlangsamung, die einen ständigen Dialog zwischen dem Leben und Nicht-Leben herstellt? Und ist es schließlich nicht die Geschwindigkeit, die es dem Menschen ermöglicht, durch die Erzeugung physischer Veränderungen in Raum und Zeit zu wachsen? Wenn all dies wahr ist, hat die Kunst die Aufgabe, diese Veränderungen von Anfang an wahrzunehmen und sich erfolgreich zum*zur Vermittler*in dessen zu machen, was kommen wird, was sein wird, dieser Bewegung, die evolutionäre Veränderung bedeutet und neues Leben hervorbringt, neue Ideen, neue Formen des Denkens und der Einstellung.
Daher zeigen die Werke von Constantin Migliorini im Kontext eines 2020, das so gefährdet, so unerwartet ist, und gewaltige Veränderungen mit sich brachte, wie wichtig es ist, rund um die Fixsterne und die goldenen Regeln der Kunst eine Veränderung zu zeichnen, eine Spontanität wie die eines Pinselstrichs oder einer Synapsis.
