Von der primitiven zur futuristischen Form

Interview mit Matteo Zauli

Kera­mik ist heu­te wie­der ein sehr moder­nes Mate­ri­al, das auch von Künst­lern bear­bei­tet wird, die, bevor sie mit Ton in Berüh­rung kom­men, erfolg­reich mit ande­ren Mate­ria­li­en gear­bei­tet haben. Zu den Grö­ßen der Kera­mik­be­ar­bei­tung gehört der berühm­te Künst­ler Car­lo Zau­li aus Faen­za, der sich wäh­rend sei­ner Lauf­bahn sowohl dem natu­ra­lis­ti­schen Aspekt als auch dem arti­fi­zi­el­le­ren gewid­met hat. Wenn wir über Kera­mik reflek­tie­ren, las­sen wir uns alle­mal auf eine Zeit­rei­se ein. Schon nur auf­grund der Zeit­span­ne zwi­schen der Her­stel­lung der ers­ten Kera­mik­va­se der pri­mi­tivs­ten Zivi­li­sa­tio­nen bis zur Beschich­tung des „Bau­ches” des Space Shut­tle. Dazwi­schen lie­gen Jahr­tau­sen­de, wenn nicht Hun­dert­tau­sen­de von Jahren.

Zau­li schuf in den 1950er Jah­ren pri­mi­ti­ve Wer­ke, die sich vor allem von der anti­ken medi­ter­ra­nen Zivi­li­sa­ti­on inspi­rie­ren lie­ßen, mit Bezug auf Chi­na und das anti­ke Japan, wäh­rend er in der letz­ten Zeit dank der zahl­rei­chen Ent­wick­lun­gen auf dem Gebiet der Mate­ria­li­en und Far­ben ver­schie­de­ne Tech­ni­ken ein­setz­te, um sein Werk so zeit­ge­nös­sisch wie mög­lich zu gestal­ten. Über die­se bewe­gen­den The­men unter­hielt ich mich mit Matteo Zau­li, dem Sohn des Künst­lers und zugleich Kura­tor des Car­lo Zau­li Muse­ums im Zen­trum von Faenza.

Carlo Zau­li ist nicht nur für sei­ne Wer­ke und Skulp­tu­ren welt­weit bekannt, son­dern auch für die Gestal­tung der Far­be „Bian­co Zau­li“. Kön­nen Sie sei­ne Ursprün­ge erklären?

Die Far­be „Bian­co Zau­li“ (Zau­li-Weiß) wur­de in den spä­ten 50er Jah­ren gebo­ren, in denen Zau­li das Stein­zeug ent­deck­te – ein Mate­ri­al mit einer wider­stands­fä­hi­ge­ren Mischung als die klas­si­sche Majo­li­ka der ita­lie­ni­schen Tra­di­ti­on. Tat­säch­lich ist das bei 1200 Grad (300 Grad mehr als nor­ma­le Kera­mik­ma­te­ria­li­en) gebrann­te Stein­zeug wit­te­rungs­be­stän­dig, so dass er in der Archi­tek­tur auch monu­men­ta­le Wer­ke schaf­fen konn­te, auch wenn die­ses Mate­ri­al die Farb­aus­wahl stark ein­schränk­te: Aus die­sem Grund ent­schied er sich, die­se Farb­be­schrän­kung zu nut­zen, um Kunst­wer­ke zu schaf­fen, die gleich­zei­tig sehr archa­isch und natu­ra­lis­tisch sind. 1962 wur­de die­se Far­be, die jener des Natur­steins sehr ähnelt, gebo­ren und erhielt den Namen „Bian­co di Zau­li”. Eine Far­be, die reich an Farb­tö­nen von Weiß über Grau bis hin zu Schwarz ist. Es ist wich­tig zu beto­nen, dass alles, was ein Künst­ler tut, ein Kind sei­ner Zeit ist, und Zau­li hat die­se Far­be zu einer Zeit erfun­den, in der mono­chro­me Lein­wän­de sehr beliebt waren und revo­lu­tio­niert somit die ita­lie­ni­sche Kera­mik in einer Polychromie.

Worauf begrün­de­te die Inspi­ra­ti­on des Künst­lers sich mit Chi­na und Japan zu beschäftigen?

Wäh­rend sei­ner Kar­rie­re stu­dier­te Zau­li Kera­mik aus Fern­ost und Nord­eu­ro­pa, haupt­säch­lich aus Stein­gut. Dann nahm er Kon­takt mit Inui auf, einem Kunst­kri­ti­ker aus Kyo­to, der sei­ne Arbeit mit Lei­den­schaft ver­folg­te und ihm auch ermög­lich­te Aus­stel­lun­gen in Muse­en und pri­va­ten Gale­rien in Japan zu rea­li­sie­ren. In den sie­ben Jah­ren von 1974 bis 1981 brach­te der Kera­mi­ker und Bild­hau­er 400 Wer­ke nach Japan, von denen vie­le von Muse­en gekauft oder in nord­eu­ro­päi­schen Muse­en und Gale­rien aus­ge­stellt wurden.

Wie erklärt sich der radi­ka­le Wan­del vom jun­gen zum rei­fen Zauli?

Zau­li wur­de als Faen­za-Töp­fer gebo­ren, sei­ne ers­ten Erfah­run­gen sind in der Tat mit den Ent­wür­fen ver­bun­den, die er für den Wett­be­werb „Pre­mio-Fan­za“ erstell­te. In den 1950er Jah­ren ließ er sich von ita­lie­ni­schen und euro­päi­schen Meis­tern inspi­rie­ren, und da er sehr gast­freund­lich war und über ein sehr gro­ßes Ate­lier ver­füg­te, wur­den Kera­mi­ker aus aller Welt zu Work­shops über Kera­mik­kunst ein­ge­la­den, was sei­ne Werk­statt zu einem Ort des kul­tu­rel­len Aus­tau­sches mach­te. Der Wett­be­werb „Pre­mio Faen­za” wur­de spä­ter zu einem inter­na­tio­na­len Preis und schuf einen Kon­text, in dem der Künst­ler mit den glo­ba­len Trends in Berüh­rung kam und sei­ne Arbeit sich dadurch defi­ni­tiv weiterentwickelte.

Warum beschäf­tig­te sich Zau­li mit Geo­me­trien und Volumen?

Seit Ende der 1960er Jah­re haben rei­ne und per­fek­te geo­me­tri­sche For­men in Ita­li­en bei den Betrach­tern gro­ße Fas­zi­na­ti­on her­vor­ge­ru­fen; mein Vater fand in den Kugeln von Arnal­do Pomo­do­ro ein gül­ti­ges Sprung­brett zu einer abs­trak­te­ren Kul­tur und expe­ri­men­tier­te mit sei­ner eige­nen Visi­on die­ser Arbei­ten über Geo­me­trie, dem Aus­gangs­punkt jeder Skulp­tur jener Zeit. Ver­ges­sen wir nicht, dass der Mensch gegen Ende der 1960er Jah­re den Raum erforsch­te, ange­zo­gen von der geheim­nis­vol­len Form der Pla­ne­ten, die die Phan­ta­sie domi­nier­ten; ein Kul­tur­pro­dukt der Zeit war auch „2001 Space Odys­sey”, ein Film, in dem das nar­ra­tiv-szen­o­gra­fi­sche Zen­trum nichts ande­res war als ein Qua­der, ein schwar­zer Mono­lith. Man kann sagen, dass geo­me­tri­sche Kör­per gro­ße anthro­po­lo­gi­sche und hei­li­ge Bedeu­tun­gen ver­ber­gen und des­halb arbei­te­te Zau­li an der Kugel, an der Pyra­mi­de, am Zylin­der und am Wür­fel, einem geo­me­tri­schen Kör­per, der eine Meta­mor­pho­se durch­läuft, die in der Pro­duk­ti­on des Künst­lers und unter sei­nen Kol­le­gen ein­zig­ar­tig ist. An einer Ecke plat­ziert, sym­bo­li­siert der Kör­per das Mate­ri­al, das sich nach oben erhebt, Sitz des Geis­tes und wie die For­schung des Künst­lers ihren Lauf nimmt, wird der Wür­fel auch für natür­li­che Zwe­cke immer leich­ter, und es scheint, dass er in Rich­tung des Unend­li­chen flie­hen will und so zu einem beflü­gel­ten Wür­fel wird.

Was bedeu­tet also der beflü­gel­te Wür­fel, Sym­bol für das Mate­ri­al, das sich dem Geist zuwendet?

Es ist ein Sym­bol, das vom Künst­ler ver­wen­det wird, für eine Mensch­heit, die zu uni­ver­sel­len Wer­ten ten­diert. In Faen­za soll der beflü­gel­te Kubus (in der Nähe des Bahn­hofs) ein Denk­mal für die Brü­der­lich­keit zwi­schen den Völ­kern sein, wäh­rend er in Tel Aviv als Sym­bol des Frie­dens (er wird „Die Flü­gel des Frie­dens” genannt) die­nen soll, um die Not­wen­dig­keit des Frie­dens vor allem in der Regi­on des Nahen Osten zu symbolisieren.

Und das Car­lo Zau­li Muse­um – wie ist es ent­stan­den und was kön­nen Besucher*innen dort erleben?

Die ers­te Idee zum Pro­jekt des Muse­ums wur­de vom Künst­ler selbst in den 80er Jah­ren gebo­ren: Er woll­te es als ein Kul­tur­zen­trum mit Work­shops und Künst­ler­ver­un­rei­ni­gun­gen umset­zen. Lei­der konn­te er das revo­lu­tio­nä­re Pro­jekt wegen einer schwe­ren Krank­heit, die das Den­ken und Gedächt­nis blo­ckiert, nicht wei­ter­füh­ren, 2002 (im Jahr sei­nes Todes) wur­de die Idee des Muse­ums vor­ge­stellt und sei­tens der Stadt auch ange­nom­men. Es ist als klas­si­sches Künst­ler­mu­se­um mit Räu­men aus­ge­wähl­ter Wer­ke Zauli’s in antho­lo­gi­scher Form (50–90er Jah­re) auf­ge­baut und ent­hält in sich ein Kera­mik­la­bor, das besich­tigt und genutzt wer­den kann.